【foundation 102】光影课程repo

John Frederick Peto - Still Life with Cake,Lemon Strawberries and Glas

这个日记是我很久之前写的。2021年进行了一定的修改和更正。把一些繁琐的内容进行了删减。对于完全0基础的人来说,可能这篇日记会有很多看不懂的地方。欢迎来上俺的201水彩进阶课程,虽然是水彩进阶课,但是前五章都是绘画通用理论,从透视到明度全部都讲明白啦(*^▽^*) (课程预约跳转点我

01一些你需要提前了解的小常识

  • 说到书,这里其实有一个大前提。就是即使是在北美,目前艺术用语其实还是没有规范下来的。比如这个物体的暗部,有各种各样的说法,特别是在面向大众的绘画书里,那就更多了,甚至地区之间描述都不太一样。所以国内很多翻译的书籍,专业术语有时候也很难统一,这是很正常的事情。但是呢,翻译的人本身不懂绘画,翻译出来的可能就更混乱,建议还是挑选相关专业的人翻译的书,更靠谱一点。当然即使是不同的艺术家对属性的定义也是不同的,但都是有效的,比如颜色的固有色,local color,local value,object color等等等,都是说的同一个东西。还有line,线,轮廓线,视觉引导线等等,我们对同一个事物的描述可以用很多不同的单词,我们对同一个单词也会使用多种定义。这就导致了不同国家地区的艺术家,对事物的描述和理解是不同滴。所以在看各种书籍或者教程的时候,首先要明确这个艺术家对某个概念的定义是什么,才不会造成理解的困扰。
  • 很多艺术家在学习和工作的过程中,依赖于他们内心的非语言对话,对于一些人来说,要解释为什么做这种选择,为什么视觉上起作用或者不起作用,是很复杂的,因为绘画本身也是一种语言,就像让你把英文翻译成中文一样,很难把一切都翻译完美。我们看教程看书,就是在看不同艺术家是如何把自己的绘画语言翻译成文字的。每个人的翻译能力有区别,我们吸纳的时候就也会有一些差异。这也就是为什么很多人虽然会画但是不会教,语言和语言之间的转化是有时间的,且很多时候也不是线性的。这些不同的课,和书,其实是不同的讲解角度。我感觉这本书很棒,可能只是因为这本书的语言表述比较适合目前的我去理解。
  • 除了术语和转化问题,另一个问题就是当我们在谈论物体的体积的时候,是没有办法避开线的。绘画里的很多概念都没法单独拎出来谈论。就像我们说光影避不开物体结构,避不开颜色一样。扯远了,这个能把大家都串起来的大体系其实是结构。很早之前的那些书里,包括一些老师都说结构重要,为什么重要,好像说了一堆东西,但我就觉得没有说到点子上,或者说没有说到我能理解的那个点上,而我在画室的时候因为抄形能力其实还可以,所以结构这个问题一直没有引起我的重视。结构不是单纯的能把物体画正确,所有的概括(风格),光影,颜色也都在结构之上。

这篇光影的日记里会扯很多别的东西, 但总体都是围绕着结构在展开,都是为了解释清楚光影的概念。而所有的课程/书籍,无论用什么样的方法去翻译,去讲解,其实都是在以结构为基础。我终于弄明白这一点后,再回头看上过的那些课程,感觉当初真的是中了很多“诡计”。我感觉初期上课的那半年,有点类似盲人摸象。因为从来没上过嘛,一开始选择眼花缭乱的,而且很多课只给你展示那么一部分内容,不同的课可能展示的内容都会有重叠,但是始终看不到这个大象的全貌。所以在学这些东西的时候,就觉得总是没有尽头,像跑马拉松一样,如果不告诉你这段距离有多少,只是让你一直跑一直跑,跑久了,就会觉得很累。后来就是上到了比较好的课,能把所有的东西都联系在一起了,马拉松才终于有了尽头(擦汗)

02 几本还不错的基础书

先上总结:光是通过颜色体现结构。
也就是说,如果对物体的结构不了解,就不可能画对物体的受光。
当然,如果对物体的结构不了解,也不可能画对素描关系。
,素描关系搞不定,也不可能画对颜色~

光,颜色,结构它们三个不是单独的概念, 而是紧密结合在一起的整体,所以任何一项都没有办法摘出来单独谈。《how to render》这本书一开头就说了,“ value change = form change”,素描关系的变化就是物体形体的变化。这也是很多课程成功的秘诀,结构没法速成。但是如果抓住人们对特定物体和媒介效果的好奇心,每次课程(或者书)换个主题,就可以再创佳绩。什么鸟类的画法,荷花的画法,树的画法,水彩画~油画~水粉画等等等等~就是这个情况。 当然并不是说这些书不好,每本书都有自己的侧重点。但是呢,没有基础但却又想要从基础提升的初学者,我觉得不要把学画的希望寄托在这种书上,至少不要把希望的80%寄托在这种书上。什么xxx自学速成,新手十天也能画xxx…这种宣传语,看看就行了~你在大部分书里能获得的是抄形速成,而不是结构速成,不会有任何一个大师跟你说,你今天搞明白简单的几何体,一周后就能闭着眼随便画其他的东西

对于基础薄弱的,想要打好基础的初学者。有五本书很值得一看,😌这5本书分别是《vision:color and light for film》《视觉艺术用光》《how to render》《form lighting》《 CG造型基础与创作 入门篇》

《视觉艺术用光》

必备, 这本书国内中文版很便宜..新书均价50上下,也可以收二手

英文是《light for visual artists》,英文版之前的已经断货了,现在买的话就是2019的7月的再版,比较贵,大概要40刀上下,新版本对练习和插图更新了,有能力买新版的推荐新版..

《视觉艺术用光》我觉得背过比较好用,当绘画工具书反而作用不大。像高中背历史那样背,不要需要死记硬背,直接按照书里的逻辑背诵就可以,这本书非常有条理,好背。背过之后再去看各种课程和书籍…就会发现,能听懂的地方突然变的好多好多??因为光影得按照体系来,如果一直不成体系,学色彩效率会非常低,一旦这个体系成了(简单暴力背过是耗时最短的),很多东西一下子就都打通啦~ 很多涉及光影的课程,都是给你把知识点拆散了讲,东一块西一块,一直凑不齐脑子就一直很乱。这本书就是把光是通过颜色体现结构从根本上给你说明白。

《how to render》

这本书建议是和视觉艺术用光一起买,这俩是相互补充的关系。这本书出了中文版(不过看评论里说翻译非常差劲,慎重考虑吧)。然后这本书需要下载一个叫h2Re的app,因为书上好多图片都可以直接扫描看视频/但我觉得那些视频看不看也无所谓,因为这本书很老了/这个老是指从技术更新的角度/,那个PS的演示说实话我觉得有那么一点点过时,因为现在有了很多新功能,不必很麻烦的处理图层什么的

对于一些不喜欢工业设计的朋友千万不要被这本书的汽车渲染封面劝退,这本书和纯工业设计没啥关系的!是讲结构和光影的!!里面只有偶尔一两个例子是画汽车而已。而且这本书不是说你用电脑画才能看,这本书是光影基本原理,和你用什么媒介画画一点关系都没有。《how to render》和《视觉艺术用光》这两本书推荐一起购买,是因为我觉得第一本虽然体系完善,但是对一些很特定的例子没有过多解释,而第二本就是针对绘画的,对很多场景都在第一本的基础上进一步解释了,也就是说它告诉你分几步能画出来,每一步画哪些物理效应。

这两本书看完后并不能让你画工一秒变强,可在理解我们人类是如何看到事物,物体的材质为什么会有不同的反光效果之后,你就可以仅凭这些基础原理,不需要搜索任何绘画教程,画出任何材质的表现效果(虽然笔触可能并不熟练, 也就是render技巧可能不够娴熟,但对材质的把控基本是不会有问题了),换句不要脸的话说就是,你掌握了表现万物的“基本能力”了。

书的内容并不是只为写实绘画服务的,这些内容是为了能够帮我们更好的去概括和观察现实世界,你画的东西不一定写实,但是能触动人真实感受的那些点,很多是可以由现实概括而来的,这也是为啥虽然我不怎么画写实的东西但我还是要学习写实的绘画方法。哈哈哈在《how to render》这本书里我竟然也找到了类似的观点~235页这段话大致也是这个意思,我觉得可以作为本书的推荐语。

“ Knowing how to render a surface to a photo real level does not mean that is the only illustrative style to use. Even if the art is very abstract, when a quick indication of o reflection, a wooden look or any other material is desired, it will be evident how to render it, even in a stylized manner, using the visual triggers everyone understands.”

然后我觉得吧,学习原理远比找现有的教程更有效率,很多物体在不同的环境作用下是呈现不同的效果的,比如一个铜像,在沙漠里和在潮湿的环境里,铜像的质感是不同的,潮湿环境里的锈迹会比在沙漠中的铜像多。也就是说同一个物体,因为周围各种因素的作用,会呈现出很多不同的效果,早上阳光强烈和阴雨天效果又不一样,如果你只按照搜出来的教程的方式去画某一个材质,是没有用的,你怎么能知道这个教程里的效果是在什么情况下展示的呢?如果现在就去google或者baidu或者pinterest搜水滴教程,搜到的大多教程都是阳光从一个特定角度,在特定强度下,在光滑物体表面的晴天效果,如果换个角度呢?如果换个天气呢?如果换成一个粗糙表面呢?你能凭借搜到的教程推断出其他条件下的画法么?世界万物那么多东西,不可能每一个条件下的效果都能找到对应教程,找不到的时候你要怎么办呢?但如果理解了原理就不一样了,即使是没有对应的教程也可以根据现有的素材和资料推断出大致效果。 扯远了,所以说会不会分析其实中间就缺那么一点点常识。这两本书就是把中间这道常识的坎给填上。

光影书籍 《Form lighting 》guid. pdf

这是一个光影形体的pdf总结,只有英文版本。内容极其极其极其极其极其浓缩,不配套大量的练习是无法消化的(配合v大的预科作业3.0或者2.0就很合适/介个练习后面会介绍),不过我感觉这个pdf的价值完全被低估了。这本书现在是免费的,下面两个地址任选一个下载就行

https://gumroad.com/l/
https://cubebrush.co/muzz/products/uijgfa/form-lighting-pdf-guide

这个pdf是专门针对绘画的总结。《视觉艺术用光》就有点类似人体解剖书,学解剖并不会让你的人体立刻就能画好,但是可以让你更有效率的练习。所以我觉得《视觉艺术用光》最大作用是让你能够建立起一个比较基础的逻辑体系,不仅仅是针对绘画,还包括3D,摄影等其他的视觉艺术。而这个PFD只针对绘画上体积塑造这一个方面,给你把表现光影里的一些重点挑出来,告诉你怎么应用在绘画上,我们应该如何绘制画面上的光影从而让物体更加真实。这个pdf很基础很基础,就是从明暗分界线,边缘虚实,调子之类的开始讲起。但是这本书为什么我觉得特别好哩? 因为从这个PDF中,我是第一次,了解到从法线来分析物体的受光状态这个概念。以前的时候(大概得是六七年前了太久远了记不清廖),在市面上随便找一本中文的,封皮有素描两个字的书籍,基本上都会一开始给你个球体石膏作为简单的解说。然后就是很传统的,球体,圆锥,圆柱,立方体的一些单体训练,然后就是把这些单体给你摆在一起的一个训练,然后就是石膏像。像下面这样

但是我刚开始学素描的时候,画完单体和单体组合之后,还是会觉得石膏像很难。为啥呢,因为这个单体的球,就只是一个单体而已,就算是多个单体放在一起的组合,那也还是简单单体,逻辑上并不复杂。但是石膏像,是一个身上粘合了很多更小的单体的单体,是一个由无数个简单单体组合在一起的复杂单体。而从简单单体到复杂单体这两个跨度之间,缺少了一个衔接。这个衔接就是复杂单体的概括结构,比较正常的学习顺序应该是下面这种(现在的书我随便翻了几本,发现都加上了这个步骤了)

当然除了缺少这个结构概括的衔接,我当时困惑的还有另外一个问题,就是灰面的亮度。尤其是在画球体的时候,觉得暗面的那个反光,嚯,我怎么看怎么觉得这个反光的暗面比灰面还亮啊。所以到底谁才是真正的灰面???为什么亮面里有时候还会有个小暗面???然后这个素描式头晕就伴随了我好多年,直到我通过法线原理重新学了一下光影,这才恍然大悟,搞这么多弯弯曲曲的破玩意儿,一条法线整的明明白白清清楚楚。由于篇幅问题,我没法详细一步一步解释(具体展开要1-2小时的课程才能讲明白,所以请参考我的课程)。

这个pdf的整体思路就是摒弃从外轮廓看物体的习惯,是从透视,从空间去看待这个物体,考虑光线的方向和物体身体各个部分的朝向。很多课都会讲光的衰减,但我就特别想知道的是这个衰减到底是啥衰减,线性的还是非线性的?曲线是什么样的???这个pdf就说明了,不是线性衰减,是符合 cos (surface angle from light) = strength of light 这个规律的,当然,在很多别的课程里,你可能会看到有的老师用平方反比定律来形容光线衰减,是一样的。这个定律的应用是啥,就是光在单个物体上的衰减可能比你想象的要慢(看这个物体离光源的距离),或者说,物体的暗面可能比你想象的要亮一些。反正就这种很确定的公式性内容,我绘画的时候用不用的到另说,但是我希望我在学的时候能有人给我把这些都讲明白,这样我心里会有一种比较踏实的感觉。(仅代表个人观点/本人信仰科学)

但是这本唯一的问题就是…half-light的练习难度对初学者好像有点高,特别是雪的那张图,是很典型的core shadow 和 cast shadow 颜色差不多的参考图,就像月亮一样。这个其实是在练习其他材质(比如石膏像)时的一个巨大难点,就是当core shadow 和 cast shadow在特定环境里,调子一致的时候,你需要靠对结构的理解把他俩分出来才行。

所以我的课里对这部分进行了非常全的补充,而且针对初学者,设计从基本几何体到复杂物体的逐步练习

总之嘞~这个pdf超超超超超超超超超超超超超超超赞,讲到了写实绘画里关于调子的所有问题。看完前三本书你起码不会下笔不肯定了,虽然耗费了很多脑细胞,但会为你接下来的每一步节省时间和体力。

《 CG造型基础与创作 入门篇 》

第四本V大的书就又点不太一样,是从基本结构上理解第一本书的部分内容。所以第一本书是必不可少的,但是如果想要强化结构基础,v大的这本书也不错。特别是如果你第三本书看不太明白,对复杂物体不知道该如何概括,这本书就讲得要更基础一些。然后…我自然要推荐一下v大的自学课程(公众号:madlineCG艺术实验室,里面有个预科作业3.0),无需任何老师指导,在两个月内,0基础就可以完成结构和光影的初级掌控能力。为啥呢,请听俺来讲解~

在绘画的时候,让物体有明显的立体感(光影效果/真实感)的关键有三个:

  • ①物体外轮廓(可以让人识别这是个啥,不需要形绝对准确,只要符合人脑中的固有印象,观众完全可以靠脑补完成)
  • ②明暗分界线(可以让物体有立体感,也是体现受光的重要分水岭,对初学者来说,明暗分界线是要花70%的时间去刻画的,明暗分界线的刻画,基本就体现了对这个物体结构的理解,所以非常非常重要)
  • ③投影(让物体有接地的真实感/同时也增强体积感)

然后这三点针对的学习途径只要一个v大的预科作业3.0就足够了,免费学习资料,6-8周左右的练习量。学完之后俺可以打包票哈!形准绝对可以解决89%或者以上(形准80%以上在一般人看来就已经是画啥像啥了),抓色可以解决90%。这个练习方法可以说是没有任何例外,任何零基础的人画完都可以达成画啥像啥的效果。且练习中后期也有穿插结构翻转训练,这个训练就是可以让人能够分析物体的结构,即可以正确判断受光面。能判断出受光面,那么物体立体感和真实感也就出来了。但这个效果的前提是必须按照规定的时间和计划完成全部练习,不能拖延,而每天的练习量大概是4-6个小时,只有这种训练量才能让你的肌肉记忆跟上你的大脑记忆,如果只是每个周抽一天画,基本0效果。所以大部分人都坚持不下来,但是坚持下来的人成果都巨好。请看v大自己公众号的真实案例,两个月的进步效果。

只是画得一模一样,只要有无限的时间,任何人都可以做到,但v大的练习可以让人在短时间内把形准搞定。叭叭半天好像得弄点自己的练习图才有说服力哈。下面是我的速写。基本都是在10-15分钟内用procreate完成的,练习了几百张,这里只是一小部分截图。(不过不是v大的练习,是我之前课的速写作业,但是我当时同时在做v大2.0的前三周训练,把成果应用到了速写作业里)

第一周我笔刷虽然用得挺爽的,但是第一周的时候其实还处于有些线条不确定的状态,因为对物体的体积还是不太确定,这种时候就试图用特效笔刷掩盖这些不确定性。到了第三周,线条就变得利落了一些,该直的直,该概括的概括,和第一周的速写相比,这种CSI曲线概括让后期上色的时候体积更好确认,不会有模糊的地方。

但是话又说回来,艺术不是物理学,不是化学,现实世界中的物理规律并不需要严格遵守,学习这些规律只是为了让人更好的了解真实世界是如何运作的,而在画面中,根据想要传递的信息,自己来进行取舍,如果想要让画面有种现实感,那么可能需要在画面表达上要贴近真实,如果只是取一个符号,表达某种含义,则完全不需要那么真实,可以用不同的概括手段来表现这个符号。只要画面能传达出自己想要表达的信息,就是很棒的作品,是否真实并不重要。

有句话怎么说来着,通往好看的绘画效果有好几百条路,但如果你不决定主导自己画面的是什么,那么你就在坏画的路上。因为当你创作的过程中,没有一个清晰的概念,画面就会变得含糊,而观者也无法对你的画进行回应。(这句话是出自 Bill Perkins的Composition for Visual Artists课程中第七周的内容)当然了,不去学习概括也没问题,但是学习概括,会让自己有能力去探索更多的风格嘛。

《Vision: Color and Composition for Film

这本书非常棒,经历了一次大范围断货之后,这本书终于又供货了,我2019年购买的时候,价格大概是45加币,现在均价可能要60加币了。但是亚马逊可以买到~我强烈推荐这本书。

上面那四本都是很实打实的学习光影的书籍。而这一本~重要性完全不低于上面任何一本。这本的重要程度和第一本艺用光一样重要。需要全书背过。这本书讲的是如何把生活中的场景,进行提取和概括,组合成一副视觉上有效的画面。这个有效的画面指的是可以成功调动人们的情绪的画面,表达故事的画面。虽然是电影方向,但是对于插画和其他想要传导感受的视觉艺术全部都有用处。而且这本书里对光影和颜色的讲解,比任何一本专门讲插画的书籍都还要棒。这里面也提供了非常非常实用的练习颜色和概括调子的方法。

我就稍微简单概括一下,有三个内容我认为初学者是最应该做的小练习:

①灰色校对练习

能够准确的把任一颜色在脑内转换成对应的灰色调(也就是说,你要练就不需要用photoshop或者其他软件对照片去色处理,自己就能把一张彩图完美地转成黑白图)。这个要通过大量的练习,才能完成脑内校准。练习方法是,找一个你自己喜欢的电影片段,或者是电影截图。看着彩色截图,自己用很概括的方式把画面的调子画出来(不要超过5个调子),然后用软件把原图去色处理,处理成黑白照片。跟你自己概括的调子进行对比。每一个练习,都要注意自己到底是在哪个区间判断不准确。这样练习一阵子,就可以很准确的把颜色掌握好了

关于这个练习的要点,可以参见我的【201预热课】免费课程

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②学会简化

还是可以拿电影场景做练习,把一个场景简单的用三个调子(黑白灰)概括出来。不需要画细节。

③观察收集颜色素材

对于视觉叙事来说,仅仅使用颜色来制造令人愉悦的构图是完全不够的。因为做出令人愉悦的色彩组合只是成功用色的第一步,之后便是要学会用颜色来传递故事信息和放大情感。要去收集和观察各种场景里的颜色组合。有了丰富的资料库后才能为自己的故事挑出最合适的颜色搭配。

这本书内容实在是太多了,没办法在这里一一展示,但我认为,这本书已经把一副好画的全部要点都表达清楚了,也把练习方法说得非常清楚。是一本非常非常非常棒的教程书。

03 表现光影的几个要点

上面已经说了,在画光影效果的时候,物体外轮廓明暗交界线投影只要大概能画出来,这幅画就可以很好体现光影感了,你甚至不需要去判断各种复杂的灰面或者各种小反光。大关系如果找不对,在微妙的调子变化上浪费时间是没有意义的。下面猫猫(阿咕免费出演)例子。我就只画了猫外轮廓,明暗分界线,投影这仨样。光感就有了,立体感也有了。

那如果我改一下投影的形状呢?

投影画得精不精确对画面的光感表现不大(当然对真实度会有一定影响…但…这个画我所想要传达的信息只有一点,一只猫被阳光照到了。作为看画的人,只要能识别出这是一只受到光照的猫,我的信息传达就完成100%了,这个影子是否符合现实,根本没有影响)明暗交界线判断得没有那么准确其实也无所谓(如下图,就算不知道猫身体的结构,随便画阴影。但并不影响画面的光感传递,这幅画还是一只受到光照的猫)所谓的细致只是在写实上加分而已,并不会影响整个画面的光感。

甚至轮廓甚至也不需要太精准。当觉得很难表现一个东西的时候,偷懒的办法就是在脑海中快速想一下这个东西的特点和常见图片(可以直接用浏览器搜一下比较快捷),比如树,回想一下小时候的识字卡,包括课本上常出现的树,基本就是一个很固定的形象。所以我把猫画成下面这个鬼样子,和真实的猫咪差了一些,但大致还是可以看出是一只收到光照的猫。因为大家脑内对猫咪的特征是有固定印象的。

04 基础课程repo

结构既然这么重要,相对应的基础课程自然是层出不穷。选择困难。v大的练习虽然高效,但是对刻画并没有太深入讲解(因为刻画是进阶内容啦要收费的~)。除了之前提过的四本书之外,也有一些还不错的网络课程~只重复看书背书确实有点枯燥,这些基础课程我觉得也可以作为记忆曲线中复习巩固的一个环节,不同老师用各自的教学方法和解释方法帮你再刷一遍书里的部分内容。

如果没有上过结构基础的课程,那么很多课可能看起来简单但是自己根本画不明白。比如日系,日系画法是一种对结构的概括方法,这个很多课程的老师都有说过,老师示范的时候,老师心中有结构,但是你心中木有结构,心中木有结构,就只能看到很平面的东西,也就看不懂为啥这里线条要拐,为啥那里不要拐,很烦躁,大脑就想减轻这种痛苦,然后人就又被控制着无意识去抄形了。在这种没有结构基础的情况下,如果去报那些写实的课程或者是那种“让你的画面变立体”的课,我觉得很大几率会很痛苦。即使这类课,前几周给整了个人体解剖内容,就是把身体各个部分都给拆开了画,但是对于0基础而言,没啥用,不从基础结构开,一上来就学画人体,就算给你拆分成一根手指,一个大棒骨,听了课…也就忘了(猛人除外)。有人可能又要说那课程都有回放,等基础上来了再看回放不就行了…nonono…首先,抱有这种想法,回去看回放的几率基本只有1%,其次,真的想从基础搞的人,一开始就去报基础课了,也不会报这种课。退一万步说,假设你真的回来看回放了,但这种课在一开始上的时候是很痛苦的,前面给你三四周人体基础课,然后你跟着练都练不太好,后续难度加大,讲到体积,跟不上进度,自信心也会受到打击,作业也就越来越不想写,这门课的第一遍学习成果就会很糟糕。所以还是先建议老老实实上结构课。

另外就是学习网课要很注意复习。
视频课程其实和看电视有一丢丢类似,荧幕对人的影响,和书以及线下课确实是不同的(之前神经学课程里看了一篇论文,讲的是看电视时对人脑逻辑思维的影响,但我实在找不到了)。绘画类的视频课,很多人会觉得脑子学会了但手不会,这其实是自己的错觉,屏幕娱乐效应的错觉。事实是,你根本没有会,你脑子并没有看会,你手也不会。就像你看netflix上的纪录片一样,你以为你看纪录片比看肥皂剧有意义,但对脑子来说都一样,都是娱乐,你的大脑根本没有启用逻辑那部分的功能。脑子如果真的会了,你是能记住教程逻辑的,上手虽然可能不利索(肌肉记忆可能没有形成),但基本效果肯定是有的。很简单的测试网课听课效率的方法,关上视频,在不看笔记的情况下,复述(要讲出声来,不是默默在心中回顾)整个作画过程或者课程过程。

比如老师的示范画,每一步用什么笔刷,透明度大概多少,灰面大概百分之几,颜色怎么判断的怎么取的,绘画的逻辑顺序如何。如果是理论课那就把课上内容从头到尾自己复述一遍,仔仔细细靠脑子里的记忆复述。若能都说出来70%以上,那说明你的脑子在上课的时候有在动,若作画过程根本也记不清楚,或者只记了很笼统的大概步骤,那说明脑子眼睛根本没看明白。就我个人经验,上网课如果不记笔记=啥都没记住,上网课如果不复习笔记=啥都没学到不要让钱白白流走…截屏+记笔记+(有条件就打印出来)+背诵+做作业。就会发现,哎呀这门课我确实有学到东西,不亏不亏~

所以我觉得视频课更要做笔记,且要截图做详细笔记。并且要复习,能够复述。做作业的时候不要频繁去看笔记和录屏。看着录屏操作只能作为练习的一部分,真正做作业的时候,要关闭视频和笔记独立完成。如果是边看笔记边画作业,那相当于照着答案抄作业…可能当下能画得有模有样,但很快就会忘记。先把笔记背熟,脑子里逻辑都理清然后再去画作业,内容才算真正吸收了。下面是具体课程的repo,我为什么觉得下面的这些基础课还可以,不是因为我偏好他们的风格,而是因为这些老师绘画语言的翻译能力比较强。所以他们的课对我而言会更好理解。以及关于光影的解释,我偏向那些用法线解释的课程,因为这样的解释方法让一切物体都变得清晰可见,好分析,也能分析出来。

国内所有网络课程的通病就是引用不规范,无论是图片还是内容,都不说明来源。并且很多老师也会分发盗版软件。同时男性老师和学生存在大量厌女行为(这点在二次元相关的插画课程里尤为常见),这是现阶段没有办法解决的事情。所以我在日记里将有明显这种行为的课程都删去了,不做推荐。

①组合套餐 素描基础+颜色。

文艺复兴球 顾老师的基础课 + 周老师的色彩课。为期半年到一年。这两套组合装备搞下来(要每节课作业都完成的那种),可以把基础拉到可以开开心心随便学别的课的水平。推荐文艺复兴球是因为,顾老师是目前我上的这些国内网课里面,少有的,管网络课堂纪律的老师。

色彩课里,基础不行的人就被拉入速写群和石膏像群,这种强拉着你打好基础的课我觉得蛮有效果的。周老师(就是中下游)的色彩课,真的是很好。他之前是广告业的,后来换了行业,和从小学就按照绘画系统学绘画的那些老师不同,他更能够把绘画语言翻译成普通人也能理解语言。虽然线性逻辑不是学绘画的唯一途径,但他能够以这种方式把很多东西梳理清楚。课程内容我说实话,是我在中文语境下见过的色彩课程内容比较实用的课程,这门课包括设计的理论,也有讲如何找画面的象征物的方法,设计部分的内容和我学校里设计课的内容基本一致,甚至还有写诗课(就是从现有的文学作品中找象征)。文艺复兴球我感觉很多内容都和海外接轨,这个是重点,很多国外的理论他们都有用到。且作业设计的也超赞,就很像做数学试卷,有基本题也有附加题。

但是国内课程的通病也是有的,标准引用完全不规范。如果上中文的网络课程,就要忍受这点(但是我的课就木有这个问题哦!欢迎来看俺的课程➡️ https://heiheihei.ca/mycourses/

②Bill Perkins的课程

我印象最深的是 Composition for Visual Artists,只有英文版,有没有字幕我没印象了,我很久之前上的,现在只有留存的笔记了。(其他课程 https://www.nma.art/instructors/bill-perkins/

这个课和上面国内的课程都不太一样。当我们说画面构成的时候,很多人脑子里可能反应的就是画面如何安排之类的,但这门课不是简单的构成,而是从绘画的基础视觉语言开始讲起。我们说语言,想到的可能就是目前我们正在用的文字,或者是音乐,这些语言的简单共性就是都有①有限的元素(字或者是音符)②语法。语法把这些元素无限排列组合,就可以组成无数的意义。而对于绘画来说,这些元素就是图形和调子,通过这俩的无限组合,就是视觉语言的表达基础。这门课还提到了一点,就是,我们受到绘画一般规则的影响(eg构图规则啦,颜色规则啦),注意力从可视化的组件上转移开了,而将更多的注意力放在了技术管理上,这就是为什么很多艺术家很难找到属于他们自己的声音和表达。大部分网课都是这样的,给你总结出各种规律,然后你记得规律会越来越多,但是基础语言并没有得到提升。

所以这门课真的超级赞吼!他里面有这么说,“无法清晰的表达并不是因为我们掌握的技巧不够多,而是从一开始就没有建立一个明确的语境,无法清晰的传达自己的想法。”这门课放在基础里,不单单是因为这是从视觉语言开始讲起的,它虽然是构成课,但是还是很认真很详实的讲画面的黑白灰关系了(第三周开始讲调子)。他的这个讲法就是北美比较常见的解释调性的方法(我们可以从很多有海外留学背景的网课老师课件里看到同样的内容),major key 和 minor key。major key 和minor key的区分,在很多很多很多很多老师的课里都有讲。这个课,我觉得是所有课里面最核心的课,它解决的既是光影问题,又是风格问题。很多课程的老师,特别是技法课,授课方式只是自己的绘画过程,很多老师的绘画风格都是固定的,然后在我早期的时候,去上这些课程,很容易就会被对方的风格带走,因为不知道风格是概括/抽象的结果。这就像写作文,普通老师可能教你快速应试套路,但是很棒的老师会让你去找到自己的表达方式。Bill Perkins的这门课,从最最基础的视觉语言讲起,让你在看别人的作品的时候,临摹的时候,不再受风格干扰。

③ Fundamentals of Lightingwith Sam Nielson

这门最好的课,也是最便宜的课,也是性价比最高的课,放在稍微后面的位置=v= 老师是 Sam Nielson(https://www.deviantart.com/artsammich/gallery),这个课名翻译过来,很直白的,光影基础。课程地址 https://www.schoolism.com/digital-art-classes/fundamentals-of-lighting-sam-nielson 如果资金有限,我优先推荐这个。虽然是10年前的课程,但是很遗憾,好像目前同类价格的课里还真挑不出来比这个讲得更好的了。就是老师实在是太啰嗦了,哼哼啊啊停顿很多,1.3倍速听也烦的不行…我真的是头晕目眩做完笔记,但是他讲的是真!!好!!!是按照物理现象分析光影的。上完这门课后觉得身心超!满!足!!!不亚于去做了个全身按摩~

④ Painting with Light and Color with Dice Tsutsumi and Robert Kondo

这个课和④是一样的,都是schoolism里面的课程。然后这个课程的是TonkoHouse(http://www.tonkohouse.com/)制作的!!!啊…请一定去他们的官网看看,实在是太可爱了。这门课和④的区别是,④更偏向科学理论。⑤更偏向绘画。不过这门课没有很详细的绘制过程,我是说基础绘制这个课里是不讲解的(包括边缘怎么处理,ps怎么使用这种,它默认就是你已经有了基础了),这里面的两位艺术家功底都很厉害,他们的绘画方法影响了一大批的人。整个课程我感觉还是泛泛而谈,只是觉得这个课的风格比较可爱而已😊,是画猪猪的示范=v=,超!可!爱!!

05 技法课程

其实只要画完v大的预科作业3.0(免费)基本就可以随便选时间短的小课上啦~无论上啥课都会轻松很多。啥课叫技法课呢,就是除了结构素描基础之外的所有课,包括色彩(但我为啥把文艺复兴球的色彩课放在基础课里呢,因为那个课程后面涉及写实色彩的全是结构)。基础课的作用是让你知道原理并且能够画出来,技法课的主要作用是让你能够很快地画出想要的效果,提高效率。我乱七八糟的小课上的太多了,没有200个也有100个,很多课都水的很,就说说这些课里我感受比较深的几个内容吧。

创作参考问题。

就…看微博经常有维权小斗士过度维权,特别是插画领域。但是在绘画里,法律上的抄袭的界定真的真的真的…非…常….宽….松。有多宽松,就我们村来说,画面百分之三十只要不是抄袭就可以打赢。什么姿势啊,配色,画风啊,画面某些单个元素啊,单个拿出来都不算的,有些人看到构图差不多配色差不多的就直跳脚,跳啥脚啊,那夕阳配色是不是抄大自然哦?大自然都没说人家抄袭。世界上没有任何一个人是拥有某种配色的版权的,配色随便借鉴。管你啥杂志啥照片啥衣服纹样,想抓啥颜色就可以抓啥颜色。直接扫描纹样吸色,这样的做法是完完全全没问题的,色板的采集可以来自真实,也可以来自其他人的作品,这种做法也根本不涉及道德问题。只是一般来说,很多人都不建议从和你风格太过相似的作品上吸色,但这也只是为了保证个人风格的独特性,但是你吸了,也不会咋样。

画风:画风如果算抄袭的话,那同一个画派的人不要活了。画风这个概念太广了,一幅画的构成有那么多元素,设计,线条,配色,纹理,概括风格balabalabala,这么多元素分开借鉴就可以了,被法律判定抄袭的一般都是所有元素只从同一个作品里借鉴的傻子。就像论文里的引用一样,论文引用当然不能全篇幅都是,但绘画相对来说标准要低很多。你确实可以引用别人的一些元素,但是你需要明确说明是受了xxx的启发。

元素组合:不是特殊的组合就算画的差不多也完全没问题。固定印象的组合,是可以随便用的,特别是提供商用的素材,以及已经没有版权的图片。搜素材的时候,素材重叠性很高,组合一致也很正常(所以创作自己的独特元素组合是很重要的!这就需要我们的开拓思维大法!思维导图画起来~),而抄袭判定里有一点是 “不能预测的要素排列”,如果能预测,就很难判定抄袭,除非一毛一样。觉得不信的,自己去翻一翻法院明确判定的,确定侵权的插画案件,很多都是很明显的叠图,完全复制(就是那种傻子看都是抄袭的图),逮着一个人使劲copy那种,即被告未经许可将原告享有著作权的作品和图片直接应用于自己的产品或印制成宣传图册等发售(or毕业季各种copy融合别人的图),而只凭概括风格或者配色这种单一条件就判定侵权的案件我好像没有见过。当然我完全不鼓励过度借鉴(过度借鉴现阶段完全不违法)

但如果怕撞梗,怕撞姿势,而不敢画自己想要画的东西,真的没必要,只要自己的创作思路明确,参考来源多样,放心画

3D辅助创作

我上了很多课后才知道,现在平面插画里,用3D辅助做图也是一件非常流行的事情了(无论国内还是国外),我以前以为只有画那种比较写实的插图或者游戏设计才会用到这个软件,但没想到几个我很喜欢的平面插画家也都用软件辅助做图。之前上透视课真的是画到手抽筋,现在基本用一天的时间学一个3D软件就全给你解决了。但这不是作弊,我始终觉得,插画的构图和内容表达比透视的准确度要更重要,如果能有软件快速完成计算,那为什么不用呢。就像光影那样,如果说要画准每一处颜色的强度,对于人脑来说计算量是很大的,我们人脑只能概括光影,却不能像计算机那样计算光影,但是绘画不是在画工程图,也不是在做精密的仪器,画面所表达的内容和带给人的感受才是最重要的。

2022年好像AI作画引起了很大的轰动,但我觉得没有必要担忧,AI作画软件只是一个更高效的工具。我们才是用工具的那个人,如果担心AI会取代自己的工作,那就相当于只把自己摆在了工具的位置…这对创作来说其实也是不可取的。表达方式是机器永远不能取代的~

当然3D软件最方便的是啥,就是你可以用几分钟建立一个基本架构(不到一小时可以搞一点复杂的)之后,你可以调整相机角度看各种透视效果所带来的画面感。这比自己一笔一笔画不知道要省了多少时间。而且有的视角因为你没怎么画过所以很难想象出来,有了软件辅助自己就可以很轻松画出来了。省时省力。

对3D感兴趣的朋友,请看这篇笔记 写给插画家的Blender指南

笔刷和质感的表达有很大的关系

换句话说就是工具也很重要。当然我以前也没觉得工具不重要,但主要都是在传统画材上。然后也是因为电脑绘画我一般还是在画平面插图,基本不画写实,对板绘的理解就一直在,一两根笔刷效果也能走天下这样。后来我发现笔刷很重要,但这个笔刷不在多,而在于笔刷属性的认知要很明确,大白话说就是自己要能识别笔刷。

俺也是笔刷囤积狂,要知道ps笔刷都老便宜了而且大佬的笔刷大多都是免费的,堆在我硬盘里的笔刷没有几万根也有几千根。我以前下载笔刷的时候都得把笔刷说明也都存下来,不看说明就忘了这个笔刷是啥效果了,现在我就完全不会再有这种困惑了。简单来说就是,你首先得结构基础过关了,能够分析每个物体表面的反射系数如何,材质如何,物理状态如何?才能画出材质,然后只要能识别出笔刷的属性,是软,是硬,是干还是湿,就能根据笔刷的种类对应到要画的材质上。这样,无论什么样的材质,你都可以很自信的选出自己认为合适的笔刷。世界上材质那么多,也没有哪个课所有材质的画法都交给你,但为啥基础好的人啥材质都会画呢,因为表现材质的本质是表现物体的素描关系,那就又绕回物体结构和光影了。

🌰下面请观看本人真实经历🌰 上色彩课前我很少画偏写实的画,平面为主,不过这是按需选择风格,平面出图速度快,很紧急的情况下快马加鞭两天搞定八张插图也是可以的。例子如下:

下面的马里奥大头,就是我做的一个尝试,不去看任何教程,只通过实物参考图片进行分析,同时研究笔刷材质画出来的效果。(哦不过这个马里奥头的原型是韩国插画师 Wonchun Choi 画的,他也是做的素材练习,原图地址https://www.artstation.com/artwork/z2d2q。然后这位韩国画师也是我今年最爱的手游 gardian tales守望傳說 的立绘作者~我就把它的头结构拿过来用了一下做材质练习~)

上面这个练习,细节只着重处理的鼻头那里(做了一个特别的铜绣堆积的小突起),因为想把鼻头作为一个小的视觉中心。其余部分就没有太过细化。但是第一次尝试我觉得还算勉强成功,特别是对笔刷的运用好像找到了一丝丝感觉。拿金属的练习思路举个例子🌰

设定一个不是很强的光源。然后就要开始想了,这个东西是个铜器,首先是个不透明的固体,那固体有个什么性质呢?就是光很难穿透,光很难穿透的话,造成的影响就是影子会比较“老实“(比起透明物体来说),且因为光很难穿透,光的效果就只作用在物体表面。我想画那种带铜绣的感觉,所以就要再分析一下这个物体的表面,锈迹斑斑的表面还是有点粗糙的,铜绣摸起来有种哑光的质感,所以虽然这里是画金属,但是表面的反射系数没有那么高,反而很低,只有在被人经常摸(人手上的汗+油)的转折部位,会变成高反射系数的表面。而物体表面粗糙,所以亮暗对比差距就不会有那么明显(如果表面很光滑,反射系数很高就会有银器那种亮暗对比超强的效果/粗糙就把光都打散了),笔刷也应该以干为主。(很滑溜的表面,一般高光处会有很强的光晕,那么笔刷就要选用软+湿)。这样一分析,对于这个物体的基本绘画方法也就出来了:

表面比较粗糙,反光只发生在磨光滑的凸起处。其他地方明暗对比不要太强,阴影颜色较深。高光没有很强。用干笔刷来画。

细节修饰笔刷的挑选主要是看实物的纹理,其实除了光滑的材质,很多粗糙表面的纹理都是可以共享的,比如冰霜效果可以和雾甚至和皮肤共用,划痕污渍沙土用途也很广,植物纤维我发现也可以做糖霜效果。笔刷调整大小,纹理就可以用在不同的材质上。

下面是我临摹的其他作者的材质练习图(临摹别人的作品比自己研究材质要更快一些,同时做这些临摹练习时还可以把自己下载的那些笔刷做一个系统的整理,各种材质都练习完毕后,对自己的笔刷库也有了很清晰的认知)

所以这么来看,物体的材质问题就是素描关系问题,基础加强一下,任世界物质怎么变化,都能自己搞一套绘画方法出来。像我以前,画宝石的时候搜宝石画法,画树的时候搜树的画法,没有个头,要是想画的东西没有教程怎么办?还是要靠自己哩。

找素材好重要好重要的。

几乎每一个我上过课的老师都是这样说的。百分之八十的时间构图和找素材,剩下的时间画出来。对于自己不会的场景,不会的物件,不会的角度,找参考,找参考找参考就可以了。这个部分我单开了一个章节详细说明。

作画流程很重要。

不如说是有一套比较固定的自检系统比较重要,看那么多别人的作画过程也是想要看看别人是怎么一套流程。我自己现在的流程是很保守派的。就是先画明暗关系,然后再叠加颜色,期间不断反复查看素描关系是否正确,这样的画法可能比较慢,但是保守嘛,就是画到最后画面不会看起来很恶心…起码能保持一个可以看的成果。很多课程都会给一些逻辑很清晰的线性制图流程。比如krenz的课,非常非常清晰,这种流程上手快,成功率高,对于新手来说学习某种标准流程是很容易在一开始画出一张还不错图且提高自信心的。

但是,流程并不是绝对的,和我最开始说的那样,绘画是一门语言,而且这门语言不是线性的。找到合适自己的流程有利于提高自己的稳定产出量,这个流程不一定要按照现有的通用模式。适合自己的就是最吼的。我在画水彩的时候,基本就是采取很稳妥很稳妥的方式。按照PS设计颜色-线稿-底色-细化这样的步骤一点一点来,这是因为水彩不好修改,而且颜料和纸都不便宜,所以为了节省颜料和纸张,就要先在PS里模拟一下效果,然后通过局部试色确定颜色不会有太大偏差,这样小心翼翼地画。但是用digital或者gouache画画就又不一样了,gouache可以覆盖,颜色好修改,不用那么小心翼翼,photoshop是软件,随便涂改几万遍都无所谓。可以更好的放开手去实验各种颜色效果。

06 参考怎么找(个人总结)

找参考很重要,特别是需要和真实场景相关联的时候,找到好的参考再画是事半功倍的。毕竟很少有人能在没有参考的情况下,随随便便就轻松画出自己从没见过的或者不熟悉材质。而且听了这么多课,没有遇到任何一个老师说参考不重要的,反而越是知名的插画家,越强调参考的重要性。总结一下目前为止我在实践中归纳的部分内容:

  1. 一般参考怎么找
  2. 找不到的参考要怎么搞
  3. 找到参考后需要如何整理
①要有目的性的找参考

首先要看你自己的画面构成,大概要在这几个方面找参考:调子(如果要画一个晚上的氛围,那你不能找白天的参考图呀),颜色形状设计,线条质感空间(氛围or透视),内容物(就是一些零件,比如你画个森林,森林里的树,石头,小木屋这种单个物体就是内容物)。其实大白话讲就是,你不确定的所有东西,都要找参考。比如你想在画面里画个水壶,但是你不知道水壶要怎么画,那就去找参考。如果不会画仰视的水壶,那就找一个仰视角度的水壶作为参考。如果不会画森林,那就去找森林的参考,如果不会画人,那就找人的参考,特定姿势的人找不到?那就自己摆个pose拍个照。

下面这个就是一个很经典的参考拼图过程。左边的鸵鸟,参考图上的鸵鸟遮住了脚,那么就可以针对脚单独找参考,然后拼接起来。右边是进一步的变形,以人的姿势为原型,套用呱呱的身体。

黄金时期的大师也是要找参考的,而且他们的参考找得可能现在很多人会觉得很过分,会有 “这不就是比着画么?”的感觉。但不是所有人都有看一眼既可以默写的记忆力,也不是所有人都可以像电脑一样模拟各种光照条件,准确的算出光照效果。一幅画的构图,颜色搭配,氛围设计,都是画家构思出来的,都是创作,而找参考也只是为整体画面的表达效果服务而已,这个照片也不是随便拍的,插画家根据需求,选择合适的模特,然后要构思整个画面的布光,照片在这里只是一个写实的参考(因为那个时候普遍都是写实广告),画的时候颜色,比例,视线引导等等都是经过精细设计的。下面是以前艺术家(姓名未知)给杂志ladie’s home journal画的插画。左边是这幅画的照片参考,右边是插画效果

下面这幅是Norman katkov画的,题目是I’m tired of waking alone(创作时间未知)

以上两个例子来自 Al Parker: Illustrator, Innovator这本书第194和195页。 黄金时期之后的做幻想插图的插画家,为了画出不存在的建筑和场景,甚至还会自己手动作纸模型或者粘土模型,用灯光打灯拍照后进行参考绘制。这都是为了达成特定画面感的准备而已。

小的时候羡慕那些画家,凭空而画,长大后发现这样的功力需要很多年的积累,而且大师也一直有参考。很久之前我收藏过一些画动物比较厉害的插画家的作品,后来看到他们的采访,被问到画出逼真的毛发最关键的是什么时,大部分人强调的都是参考的重要的,观察真实的世界,然后分析物体的结构,将毛发覆盖上去。

②参考图的质量也是需要挑一挑的~

这其实也是我上了很多课后发现的,就这个参考好不好用,除了看符不符合自己画面的场景,参考图本身的质量也是很重要的。图要是很模糊,细节看不清啊咋参考。还有就是氛围,风景之类的图,要是找个HDR处理后的照片也不太行,HDR照片有种什么毛病呢,就是亮面的细节清清楚楚,暗面的细节也明明白白…=-=这完全不符合常理啊(当然画画不需要符合常理,但是当你需要真实参考的时候,尽量还是找真实一点的照片),更不要提这些HDR的照片整体颜色基本都不怎么好看。

对于想要参考纹理,那种高清的参考图,可能很多人第一反应是去一些专门的付费的材质库里看带水印的图..或者就是在网上直接盲找,或者是在pinterest 花瓣网这些专门用于收集的网站里找。这些当然都可以..不过想要把材质看的更清楚,拍卖网站和博物馆网站的图更香一点,毕竟展示用图嘛,图片是没有水印滴,是可以放大再放大滴,是可以随便下载滴。像宝石,陶瓷,木头(家具),盔甲金属,骨类,这种日用品和装饰品的质感,大部分都可以在拍卖网站和博物馆里找到高清的素材,平时看到自己喜欢的,就“拍”下来,放到自己的收藏夹里。 下面我自己文件夹里的一些例子:

不过拍卖品的照片嘛,也有缺点,我之前也给拍卖品修过图,这个缺点就是拍卖品的照片可能并不适用于真实光影分析,因为一些表面具有高反射系数,比如锡之类的,就会做一些打光处理, 让它不要反射那么强的光,和现实普通光照条件下看是有很大区别滴,但这也就是我所说的,要根据目的来挑选照片的质量。博物馆的照片虽然光影分析不是很合适,但是从研究材质的角度来讲,非常棒。同样,HDR效果的图片对真实氛围参考可能不太适合,但如果你要搞暗部细节研究这个其实也可以用的上。针对自己想要表达的方向,来选择合适的,质量高的图片,把这些图片归纳整理,这些图片就会变成自己量身定制的素材库~

这里再举一个 《Klaus》 制作团队在设定风格时的例子(上图↑),你看他们找的雪山参考图,绝对不是那种路人甲胡乱一拍的照片。都是有很明显参考特征的图片,要么是氛围,要么是雪落在某个物体上的具体形态(截图来自,The Making Of Klaus with Marcin Jakubowski and Szymon Biernacki的访谈,这个视频特别特别特别棒,里面有讲他们概括风格的方式,特别具体,包括阴影,纹理都怎么概括的,你可以看到他们如何根据真实的图片,概括出自己独具特色的动画风格,而且里面也有讲如何形变和夸张,特别是房屋夸张后,如何保持内部物体设计夸张的一致性,这个视频真的是无敌无敌无敌棒👍但因为是收费所以我只能分享这一小张截屏)

③除了实物参考,也要看看别人的概括参考

因为画画始终都是概括,概括程度不同造就了很多不同的风格。自己概括遇到困难,可以看看别人都是怎么概括的,风景概括里面,无人不知无人不晓的大概就是Eyvind Earle了,只要提到概括,就绕不开他。(亚马逊他的画册已经卖光啦!现在想买就是天价惹😭)

通过学习大师的概括技巧,可以更快的应用到自己的画面中。

④想象中的场景参考怎么找

问题来了,现实的东西我们可以比较容易找到参考,那如果画想象中的情景,无法判断光效的时候该怎么办呢,甚至连透视都画不好?

平时要注意图片的收集,尤其是特殊场景,特殊光影(大多数老师都有提过,光影部分的参考要专门去收集整理,各种天气,以及各种时间段,可以自己拍也可以找网上现有的图片,目前网图里面有一套很流行哈,我上的课里但凡提及光影的都有提这套图,索尼的 “α” CLOCK Project ,就是同一个地方,全天不同时间段的照片,非常棒,点我跳转到官网 ),人物动作等一些在画面安排中用得上的要素。每天可以花0.5小时到1小时去整理收集图片,原创的时候就不~会~慌~张~找不到参考的时候,可以自己制作需要的场景的光效,用台灯或者根据户外的光线,来模拟效果。

至于透视角度,不需要那么麻烦的辣,整的画图跟搭脚手架一样。用sketch up这个软件,半小时就能飞速学会建模(就是简单的集合模块,会拉一个房子,还会整个墙挖个窗,安个家具那种),然后这个软件有个免费模型库,你建立好一个简单的场景之后,要啥就下载啥,啥家具都有,然后摆上去(模拟人生那样), 摆好就可以调整相机角度了。觉得OK就截个图,直接描纸上。透视解决👌(很多很多很多很多很多很多很多你想象不到的多的画家都是这样干的,=_=其实我上的这些课里,似乎没有见到不这么干的插画家…这是现在的趋势了)

而且sketch up里有简单的光影(shadow选项可以调出来,超好用,不需要渲染成那种巨精细的,这种超简单光影就已经够用了),可以根据一天中的时间来设定光影效果,都不需要你设定太阳方向,自动都给你计算好了。光影解决👌。真的,半小时(最多最多最多一天,不可能再多了)搞定一个建模软件,可以节省画画中的无数无数时间。特别是你自己找不到合适的参考的时候,这样自己搭架一个简陋的场地模型,直接让机器来帮你分析光影效果,这么省事儿为啥不用呢?又不是画纯写实和超现实,如果有更省力的途径,那就用快速的办法,把更多的精力可以用在构图和内容的设计上。sketchup之所以半小时能搞定是因为你自己不用学习如何做家具的模型,它自己的模型库里全有,你就只要会建个墙,搭个屋顶就行了,学这俩功能15分钟足以。怎么玩模拟人生就怎么耍这个软件…

如果觉得sketchup太过简单,可以用另一款功能更多的软件,blender,blender也是免费的,而且无论中文英文的教学资料都超多。但是sketchup学习建模时间只要不到半小时..blender就长一些,可能要2-8小时左右,因为blender这种类似的3D软件,是比较依赖快捷键的,所以比起sketchup,如果从来没有接触过这种软件,需要2小时左右记忆快捷键和熟悉基本操作,但是当然啦,这种复杂的软件可执行的效果也是多样化的,当你想研究不同颜色的材质在不同光照下的效果的时候,这种软件帮助比较大。但是简单的日光效果就完全用不到这种软件辅助。

复杂的3D软件(blender/cinema4D等)另外的一个优势是,自己不确定的光影和材质效果,全都可以自己模拟出来,找啥参考,自己做就行啦~ 你甚至可以把人都建模好,然后打光,贴材质。效果OK了,截图扔Photoshop里叠着画就行了。什么?描图?描图咋的了,素材全都自己做的想怎么描就怎么描。难道别人看你图只为了看你的苦劳么?只要能达成自己所设计的画面效果,任何方法都可以使用。

最后就是单个物体角度找不到参考。又不想自己建模,可以使用在线的3d网站调整结构,比如:https://sketchfab.com/ 这个网站就是只要输入自己想要找的物体名称(英文),就可以查到很多3d模型,选一个和自己预设的比较像的物体,直接在屏幕内拖拽调整角度截图即可。https://www.pixelsquid.com/ 这个我也很喜欢,这个网站把所有的模型按照场景分的,比如有医疗相关的,里面就是各种医疗器材,乐器相关的就是各种乐器。古典家具就是各种古典家具。我狂推这个网站,为啥呢,因为他们的物品有一个特色,就是不具有独特设计性,为什么说不具有独特设计性会很棒呢?因为这样不会涉及任何侵权问题,这里面所有的东西,都是你在生活中最常见的那个款式,随便用。当然,本来也不需要担心,因为作为插画家,参考现有的产品和建筑是完全没问题的,抹掉牌子就OK,但太过独特的设计还是能让人立刻辨认出来,有时候会让人从画面整体脱离出来,而过份去关注这个品牌,这样就不太好了,但用这个网站的参考就完全木有问题~这种网站非常多,随便搜关键词3d model online就能找到一大堆,常见布景不可能找不到在线模型。找到模型后,自己要做的就是在sketch up里面建立简单的立方体模型,调整好构图。然后按照自己布置好的场景,把东西调整好角度,贴上去即可。

⑤参考怎么处理
现在市面上有很多分类图片的软件,我个人比较喜欢用Eagle(具体看这篇日记)我建立了两个图片库,一个是我自己平时出门拍的素材照,一个是我从网络上收集的素材。我自己的素材会按照种类分,比如,首先分成六大类:风景,人物,动物,植物,花,其他(分这六类是因为我一般就拍这些)。风景里面又按照四季(春夏秋冬),地理位置(湖,海,森林,平原)等这样细分。鸟类的话我也会分成幼鸟和成鸟这种。每次拍完照片都按照这个归类整理,找图片的时候就很快捷。自己拍的素材有个好处就是,可以随便用,还可以随便描图,自己拍的,所有权是自己的。网络素材除了按参考种类细分外,因为我画插画嘛,还有另外四大类别 

❥第一类是按照画的属性分,就是根据风格,不同时期的绘画风格(不同国家的),概括形式不同。这个种类实在太多,就不一一举例了。
❥第二类是按照艺术作品的媒介分类,水彩啦(水彩下面也有风格细分),油画,墨水,混合材质,手工产品等等(也包括雕塑等)
❥第三类是材质(我单独从参考素材里拎了出来)。为了更好的研究材质,我利用标签颜色,把材质按照表面反射系数的不同进行了划分。

❥第四类就是颜色。这个颜色不仅按照画面主体分(就红橙黄绿青蓝紫/黑白) 下面是我自己的颜色分类截图,蓝色里面除了颜色参考图,还有一个蓝色传统符号的说明。我把这个说明放在每个颜色相册的最前面,也就是说不同的蓝色在人们眼中的固有印象是什么,冷静?冷漠?卫生?安全?这些符号总结在一起比较方便参考

其实建立和整理自己的资料库,是一个很繁琐的过程,如果看黄金时期的那些插画家,他们画写实为主,当时没有电脑,所有的资料都是一张一张自己从报纸杂志或者亲自拍摄照片这样收集的,工作室里一定会有一个很大的柜子,里面分门别类都是这种素材文件夹。虽然现在很多人并不走写实路线,但是素材整理我觉得还是一个很重要的环节,也是一个可以获得新的灵感的地方。

光影色彩结构理论就这么多!下面是其他杂七杂八的补充内容~

07 另外两本

光影是物理现象,把物理现象和绘画结合起来的书,和其他类别的书相比,还是比较少,尤其是中文书。英文可以搜 Biological and Psychological Effects of Color 之类的关键词,如果还是想仔细钻研光子到底怎么作用的,可以直接搜相关论文。有个网站最近我觉得还不错,叫https://www.colormatters.com/(英文),里面有很多相关的资料,书籍的话点击最右边color resources,第一个Bibliography就是。

① Color and Light: A Guide for the Realist Painter 作者 James Gurney

这本书只推荐贵哥翻译的那本中文版(其他人的版本不推荐)

Imaginative Realism 作者同上

这本的中文版我没看过,不知道翻译的如何。但是这个书名…why?why?why???? 而且我觉得这本书的封面好像阿咕哈哈哈哈。 ①和②一起说,这两本书,还是建议在《视觉艺术用光》这本书之后阅读,因为说实话,第一本书我之前看的时候,觉得比较混乱。《色彩与光线》这本书本身的内容很多,而且他分得特别细致,细致到你可能看到一半就忘了前面的结构了ORZ。而《视觉艺术用光》是更简单的体系,有了这个基础再去看《色彩与光线》就不会被细节代跑。

《幻想的艺术》其实是一本如何找参考和利用参考的书=。=,整本书的内核就是如何画出想象中(不存在)的场景,所以找参考是十分重要的,我之前提过的所有找参考的办法这本书里都有很详细的叙述。什么镜子啊,模特啊,模型啊,素材拼接啊。没了,就这两本。至于以前的日记里提过的这里就不再复述了。什么水彩光影啦,这种的,只是在特殊媒介的基础上进行了一点点讲解而已。远不如我之前说的那几本书全面,更多的是风格和技法上的参考。

08 本日记提及的课程引用列表

书籍引用不单独列出了,日记里已经给了很详细的作者署名和书籍链接,以及为了保护隐私,小伙伴上的课程我就不写了,下列列表只是我看过的部分课程,乱序排列,免费的放前面

  • 视频课程名:文艺复兴球公开课,cctalk播放,免费的。(网站地址:在cctalk中直接搜索文艺复兴球美学院绘画交流群,群号是86188110 ),费用:0。B站我记的也有他们的官方公开课程。
  • 视频课程名:100名游戏设计IP联合分享直播,视频网站名:腾讯课堂(网站地址:https://ke.qq.com/course/513632?taid=8102069257360992),费用:0。但是海外看这个卡成狗。
  • 视频名:The Making Of Klaus with Marcin Jakubowski and Szymon Biernacki, 视频网站名: image master classes (网站地址 https://videos.iamag.co/catalog)费用:7.5美刀/月,40美刀/半年,但是内容现在很少,所以订一个月后立刻在线取消即可。-v-
  • 视频课程名:Introduction to lighting for Concept Art by Sam Nielson,视频网站名:同上(网站地址:同上),费用:同上。这个网站也有sam nielson的光影课程。但是这个和他那个光影基础还不太一样,这里面讲的是色彩和构成。
  • 视频课程名:Fundamentals of Lightingwith Sam Nielson,视频网站名:schoolism(网站地址:https://www.schoolism.com/),费用:29.95美刀/单课月费,还要收5%的税。$998.00美刀的带作业讲评的课程。998也太…俺参与不了哈哈。
  • 视频课程名:Composition for Visual Artists,视频网站名:new masters academy(网站地址:https://www.nma.art/),费用:有七天试用/普通会员39美刀,没有资料库和3D参考模型的权限/高级会员49月美刀,有资料库和3D模型库的权限/。我记得也是在线取消。
  • 视频课程名:Sweet Spots: Expressing Big Ideas in Small Editorial Illustrations by Tom Froese,视频网站名:skill share(网站地址:https://www.skillshare.com/),费用:每月20加币,如果是订一年,141加币。但是这个网站有两个月的试看,新用户可以用我的链接注册https://skl.sh/2xY5YIz,需要输入信用卡信息注册,但是这个注册后立刻取消订阅即可,就可以没有负担的享受两个月的免费使用。这两个月足够看完需要的课程了(如果觉得好,就续订,提前取消是为了防止你不满意课程,但是忘记取消费用这个状况)。很多知名插画家都在上面有开课,包括Maria-Ines GulVicto NgaiJarom Vogel 等等,不过这个网站的问题就是水平比较低的课程也很多,就是大海捞针…挑课需要费一定时间,建议先用几天挑好课程(可以上网查别人的repo),再注册。
  • 视频课程名称 draw 50 things https://www.svslearn.com/draw-50-things, 视频网站名society of visual storytelling(网站地址:https://courses.svslearn.com/),费用:每月24.99刀,年费198刀。这个课就是k大上课交的复杂物体分开画的一个相同的应用。复杂的场景要怎么处理,一个屋子里有很多东西,可以把这个东西拎出单独画,然后再放进这个场景中。这个网站是交月费然后随便看的,试看一个月。 关于svs这个网站的课程,就课程质量来说,不建议订阅全年,一个月的免费看足够了。因为这个网站目前只有98门课,还刚在建设中,全部课程我都预览了一遍=v=,不是很满意。有次听它家的广播,发现他们竟然还有课,网站的课程是偏儿插画。不过它家的课也是可以单独购买的。 别看是画儿插的,但是讲构成的部分也是走的三视图的绘制方法。一点都不简单,特别是有一门课叫EFFECTIVE VEHICLE DESIGN,老师是Shane Hunt(他那张Puffer Fish Sushi的图挺出名的)第一节的作业就是结构翻转…这个翻转可是普通网课一般需要六周才能讲明白ORZ..总的来说就是这个网站的风格虽然比较可爱,但内容不简单,而且有很多老师自己画的很好但他讲不明白…这就尴尬了。 但,这里面有一个系列课,叫how to make money in illustration,一共三个系列课,分别由三个完全靠插画养活自己的插画家分享赚钱经历。这个超棒!包括初期职业规划(如何在做和插画无关的工作的同时保持插画作品集的更新)以及如何用商人的头脑榨干每一幅画的价值2333(里面的一个实例就是一幅画既卖掉原画,又卖复制品,又给出版社和杂志用,又做成周边,一张小画最后总共赚了将近两万刀),我感觉这是这个网站里最有价值的课了。他们网站课程里有个business分类,这里面的很多课都很有启发,强烈推荐~
  • 视频课程名:文艺复兴球写实色彩,视频网站名:用的是cctalk直播,费用:4000人民币/4个月。报名直接在微博上搜对应老师微博,上面都有些微信号,加号报名。 顾老师是@顾佳艺- (后面一定要带这个小横杠),周老师是@咸鱼中下游。
  • 视频课程名:Illustration, Climax and Denouement A course by José Luis Ágreda,视频网站名称:domestika(网站地址 https://www.domestika.org/en 这个是英文版,会西语的切换到西语版即可,课程基本都是西语授课,但是英文版翻译做得很好,这个网站我之前有过介绍,日记点我查看)费用:课程单个购买,一门课在10-20美刀左右,不要被网站上的折扣倒计时吓到,它家永远都有折扣哈哈哈哈。

创意插图1

软体动物

这里生活着一只软体动物,偶尔会走出它的壳,科学地探索这个世界~

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4 Responses

  1. “光是通过颜色体现结构”,那么颜色会比形状更贴近物体本质,这样说我好像有点理解为什么你的课程是吧灰度彩度放在最重要的位置上了。想请教一下,科学化程度比较高的课程都是这种学习顺序吗?

    1. 哇!感谢!我把这个信息更新到文章里啦!看了一下评论,确实有些地方翻译比较离谱,可能找的译者并不会画画( ‘ч’ ),也会有这样的事情发生啦(而且总觉的这本书下的好评是水军评论ORZ)

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