【课程笔记】 绘制立体的方法

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这篇笔记是 水彩201 课程的补充阅读。有一些学习课程的友友会在这里被绊一跤,所以俺这里做一个免费的补充说明🥺,帮大家再梳理一下明度和彩度的关系。如果你觉得头大,不要着急,也不要催自己,201课程内容其实非常多,有时候听了后面的就会忘记前面的一些基本概念。但是随着我们慢慢应用在画画上,你会在绘画的过程中对这些理论有更好的理解。

在水彩101里面俺花了一整节课来讲解颜色的三要素。其中有一个是明度(简单来说就是画面黑白明暗变化啦)。而水彩201里面,又花了一整节课来讲解了光的原理,只有了解了光的原理,我们才能理解为什么物体看起来比较有立体感。

但在实际绘画时,人类的眼睛太容易被色相所吸引(这是人类的天性捏,实在是很难克服,所以不要去克服啦),经常会忽视明度。这个天性是有利于我们在地球生存的,但在绘画初期可能会干扰大家观察颜色,画不出来自己想要表达的效果。

不需要沮丧捏!我们可以通过一写方法重新梳理你想要达成的画面效果。不需要克服天性,也可以画出让自己满意的画面呢~ 让我们再来仔细复习一下课程内容吧~

穿上白大褂假装是科学家

咳咳,首先我们还是要来复习一下人类这个生物的一些生理特性。

在之前的一篇免费课程笔记 如何判断明度 里,俺有给大家介绍过Checker shadow illusion(棋盘阴影错视)这个现象。在一张黑白棋盘上,放了一个矮柱子,右边来一个光源,矮柱子就会在棋盘上落下一个投影。如下图 ↓↓

左图 created by Adrian Pingstone, based on the original created by Edward H. Adelson

↑↑↑ 这个时候你会发现,A和B这两个格子,从明度上来看,是完全一样的嘞可我们厉害的大脑经过一定的处理之后,依旧能让我们一眼看出本质,B原本是白色格子,A原本是深色格子。哇好厉害的脑子。

这是因为我们熟悉棋盘原有的样子,你看到过黑白棋盘在正常无遮挡白光下的模样,所以它在其他光源和场景下,我们依旧可以识别出它来。

就像我们在201第四课材质表达里介绍过的那样,你熟悉朋友在正常白光下红帽子的模样,即使她戴着帽子在紫光蓝光的背景下,你也能识别出她戴的帽子是红色,她的皮肤是浅色。尽管这个时候,画面中没有任何一点点原始的颜色,但你大脑早已对她平时的样子很熟悉了,所以不会受到环境光的干扰。(让我们再次称赞厉害的大脑)

你熟悉的朋友在蓝紫光环境里 ↓↓

另外一个例子大家一定也很熟悉,是一个前几年在互联网上讨论很火的图片。白金裙子还是蓝黑裙子。有的人看到黄色,有的人看到蓝色。为什么会产生这样截然不同的两派?不是大家眼睛有问题,是因为大家大脑的预设不同。

看到蓝黑裙子的人,她们大脑的预设是蓝色裙子在暖光下的效果,而看到白金裙子的人,她们大脑预设则是白金裙子在冷光下的效果。这两个场景,如果我们用机器去测量画面的数值,都是一毛一样的。就像上面那个棋盘的例子,如果你要实际测颜色,AB颜色是一样的,没有区别,但人的大脑因为有提前预存的设定,所以可以用自己习惯的方式去解读。

前几天我出门的时候,余光扫了一眼院子,突然发现好像有什么东西颜色不太一样,感觉院子里的装饰变色了↓ ,当时我第一反应是:难道前几天的大雨把猫咪身上的油漆冲褪色了?

但等我走进的时候才发现原来没有变色,只是这个角度有一个反光,改变了进入我眼睛里光的情况,角度恢复后,就能看出来还是以前的小黑猫了。

对人类来说,点对点识别颜色本来就是很逆生理学的一种行为,而人类的眼睛也不是机器,不是用来测量光线反射吸收比例的。人类的眼睛,接受周围一切物体的反射,并将它所见真实,不加曲解地投射在我们的视网膜上,但我们的大脑,赋予了这些真实不同的感受。

所以在画画的时候,我们很难单独观察画面中某一小块颜色,而是要看整体,要看一个颜色周围的颜色,要看整幅画的氛围是什么样子的。因为我们的大脑是如此特殊,它会根据你的喜好,你的过往经历,自动调节画面带给人的感受,每一个人对颜色的感受都是独一无二且无法复刻的

当你调色觉得很迷惑或者是在对颜色感到迷茫的时候,不是你色感不好,这是作为人类而言,一种很正常的体验。我们要做的是寻找一些自己觉得舒服,方便的方法,让自己能够慢慢选择颜色,混合颜色。

很多人可能看过Josef Albers写的这本书 Interaction of Color(中文是《 色彩互动学》),在这本书里作者有给出一些人类视觉错视的例子。比如非常经典的一个例子,用三种颜料表现出两种颜色↓

有些人看到上面这张图,可能会觉得,左边的黄色圆环是右边的背景黄色,右边的灰色圆环是左边的背景灰色。实际上这两个圆环是完全不同于背景的第三种颜色。

如果我把这个圆环横穿背景色块↓,你会在背景交界处意识到它们是同一个颜色,可是整体来看还是会有一种不同颜色的错觉。

但如果我把圆环替换成纯黑,或者纯白,就很难产生这种误解 ↓↓

这种视觉错视主要是明度在控制人的感受。这也是为什么很多人在白色调色盘上调出的颜色,画到已经填充好背景的画面上时,会觉得很不对劲。因为白色的画布本身明度相当于100,从颜料盒子里直接挤出来的颜色通常会在白色画布上展示出最大的明度差异。

你在白色调色盘上调出来了一个比较暗的红色。把它放到你深色的画布上,就会发现你的红色调得不够暗

把颜色画到画布上之前,多在废纸上做做测试吧(#^.^#)

抛去颜色,只看黑白关系的话,下面的小猫是同一个颜色,但是在黑色的背景里,对比感就会强很多,而在浅色的画布里,对比没有那么强烈。这是因为小猫本身偏高明度,背景明度越低,这种视觉差异就会越大。

↓↓ 图中的小猫是同一个灰色捏!

而人类大脑还有一个很“高级”的“强化边缘功能”,意思就是我们大脑会自动加重差异,明度差异越大,我们大脑就会越强化边缘感,以便让我们在视觉上能够更好的区分不同的图案。

如果我们把图中的小猫单独拿出来,放在白色的背景画布上,你就更能感受到这种视觉差异了 ↓↓

到这里你应该能感受到明度相对关系的感觉了~

我们再来看看下面的小猫图章。每只猫和背景的明度数值都不一样,但是,这三个图案带给人的视觉相对感受是一样的,因为猫和背景的相对关系是差不多的。

如果我突然拉高最后一张图里猫的明度,让明度差值变成60↓↓↓,我们就能明显感受到,第3猫比前2只猫要清晰(且“明亮“)”很多…

而如果我降低最后一张图里的明度差值,让明度差值变成20,第3只猫立刻就暗淡下去了。似乎有一种隐隐约约要看不清的感觉

这种相对明度差异带给人视觉上的感受,就是我们在画画的时候要额外留意的。物体身上每一个面跟环境的明度关系,决定了最终画面的视觉效果。

应用到画画上,就可以这么来理解,如果我们把两个不同的面,调子处理的很相似,它们的明度差异很小,那么我们就无法感受到这种对比,对于这个物体来说,立体感也会更弱。这句话应该非常容易理解吧~

让我们来看看下面的栗子(#^.^#)🌰,我在网上随便找了一张奶酪的截图,这个奶酪看起来尤为立体,去色处理后,受光面和背光面明度差异非常大。明度差值甚至到了60,相当大的对比度了。

但如果我们把这个对比度降到20 ↓,立体感就没有之前那么强烈了,整个画面看起来整体就很柔和。虽然明度差距没有特别大,但是在下面这张图里我们还是能够很明确感受到立体感,这是因为它的受光面和背光面边缘很清晰,因此我们大脑可以准确对物体的不同面做出区分。

如果我们模糊一下边界,你会发现这种立体感就会越来越弱最后完全消失 ↓↓

如果你上过水彩101,这种画面整体的明度关系,就是画面的 major key(大调)。整个画面中如果高明度的颜色占比很大,这种画面就被称作 high key。而物体内部之间的小对比,被称为minor key(小调)

写实绘画里,表现出很立体感受的画面,一般都是在minor key里进行高对比。低对比也可以展现出立体关系,但需要大家控制边缘,对于初学者来说这一点可能会比直接画高对比要更困难。

写实里的明度基本比例

如果我们从一个很笼统,很简化的角度来讲:

在表现一个物体真实受光关系的时候,以传统的黑白色阶卡做参考的话(下图),光源没有直接照到的那个面,明度主要集中在最下面。大概是30%的位置,而受光面的明度范围跨度很大,从最亮的,到中等的,到比较暗的都有。

↑↑↑ 这是在没有艺术家处理画面,就是现实中常见光照关系在画面上的表现(你可以简单理解为相机效果)。为表现物体的立体感,这里的基本明度关系可以根据个人喜好暂时记作28或者是37。这个数字包含两层含义:

  1. 画面中只有30%(20%)的部分是低明度的
  2. 这30%(20%)的画面明度范围在1-3(1-2)

这样记忆的话,既记住了画面灰度比例,又记住了阴影部分的明度应该控制在什么范围内。看下面我在网络上随机找的一些静物作品,可以发现也都是符合这种37或者28比例的,画面中其实真正深色(或者说黑色)的部分很少,画面中大部分的明度在中等或者以上。

让我们来看一些以前艺术大师是如何强化这种立体关系的吧:

在卡拉瓦乔的这幅 Judith beheading Holofernes (1599) 中,她给画面制造了一个很强烈的侧光效果。整个画面呈现出一种强烈的对比关系。人物背光面和受光面的明度差值在60以上

在 John Singer Sargent这幅没有强烈冲突的人物画像 Miss Beatrice Townsend (1882)中,明度关系的差异也达到了40左右。就连黑色衣服,受光面和背光面也有至少10度的明度差异。

Mucha用水彩画的这幅 Elfe mit Irisblüten 也有很明显的明度区分

最低的明度区分只要做到10的差异,就能很清楚地表现出物体的立体结构。只要我们能做到明暗分界的边缘清晰。

但…这点在水彩里是比较难控制的。在用水彩画画的时候,水彩颜料在干燥后会出现不同程度的明度和饱和度的丢失。你本来想画明度为50的灰色,可能你调出来的是80明度的灰色,再加上有时候着急上色,没有等等层的颜料干透就往上画新的一笔,又或者是没有注意到纸面的湿度,那么那么不同面的颜色就会混在一起,变成一大片,没有明度区分,也就很难展现出立体感🥺🥺

另外一个容易破坏明度关系的是反射光,我们单独来看看反射光吧!

反射光

反射光,英文是reflect light。反射光是最容易破坏整个画面关系的存在,也是大部分刚学画画的朋友最容易“画蛇添足”的地方捏~ 因为反射光通常会让物体的非受光面看起来很亮,让人不自主把这部分的明度拉高。

但请大家再回想一下我们刚才展示的小猫的例子 ~ 当你在一个比较暗的背景里,看到一个比较亮的颜色,它实际上没有你想象中的那么亮哦!

下面两张图可以很好的解释反射光所带来的视觉效果,图1是A物体没有明显反射光的样子(尽管布料确实给了背光面一些反射光,但这里我们先忽视)。

图2是给了A一个超强反射光(光源和A物体的位置都是不变的,只是多了一个纯白的B。白色是最容易反光的物体捏),这个时候我们看A的背光面,能观察到非常明显的,被照亮的一块区域呢!

观察图2的时候,你可能会有种感觉:似乎A的背光面和受光面一样亮哎…

但……即使是这个非常强的反射光,也不会让A的背光面,明度高于受光面。

下图是A物体的前后明度变化(最亮100,最暗0),背光面虽然整体受到了一个面积很大的反射光,但也只是微微提高了一下明度,本身并没有超过受光面。

光线在蹦来蹦去反射的时候,也会有能量的衰减呢~人类在跑步的时候也会有这种感觉吧,当你跑2000米的时候,跑前100米和最后100米的精神状态以及体力是不同的。反射光也是很难达到直射光同等强度滴~

修正立体感小技巧

上面解释了这么多弯弯绕绕,是为了给接下来介绍的小技巧做铺垫。以下这些小技巧可以迅速增强你的画面立体感~

1. 根据面的倾斜程度,决定渐变的宽度

什么意思捏?在水彩201第三节课视觉语言表达里,俺有讲过光照在物体上所遵循的余弦定理 (lambert‘s cosine law)

当光照到物体上的时候,受光面的光照强度,不会随着物体起伏而有太剧烈的变化。但是背光面,特别是从光照到非光照的这个转变过程中,光影变化是非常剧烈的。物体从受光面,一下子转到背光面,可以说是悬崖式下落嘞。

我们在画表面不平的物体时,就可以利用这一点 ↓↓↓ 夸张悬崖效果,强行进行高对比

人体上也可以很轻松运用到这一套技巧。任何扁平的人物只要在轮廓处进行短渐变处理,都会立体起来

即使不知道阴影在哪里,只是围着加一圈短渐变,无脑画饼干,也是有效果的 ↓↓↓

这一招是不是很简单捏!短渐变利用的就是物体结构转折处剧烈的光影变化,强行制造出我们画面中的28明度关系,俗称 ”帮你下狠心拉大画面明度差距大法

但要注意的事,这是一个简化后的,比较极端的方法,我们依旧还是要努力分清楚物体每一个面和光源的角度,这样才能最大程度展现出物体的立体感。

2. 以破边或叠色的方式模糊边缘,减少面与面之间的模糊感

你可以会发现,在用铅笔/钢笔随便什么笔或是数位板的时候,这种短渐变可能会比较好控制。

可当你用水彩的时候😱,就特别考验你的技巧了。有时候纸面太湿,在用水彩画物体阴影的时候,深色就会快速扩散开…很难制造出明度差异。我们有三种办法可以解决水彩做渐变的难题。

  1. 叠色法
    通常来说,水彩降低明度,最简单的就是通过叠色法,下一层颜色干掉之后,再铺上新的颜色。这样色素会累积叠加,颜色会很自然深下去。
  1. 破边法
    先快速画出明暗分界线,再用干净的笔刷模糊掉边缘(但这个需要纯棉纸,才能做出比较好的效果)。也能做出这种明度悬崖式下跌的效果。如果有必要,甚至可以不对边缘进行破边处理。
    (不过破边真的比较考验技巧,在201第3节课里我有带大家复习水彩渲染的一些技巧)
  1. 铅笔法
    很多水彩艺术家都会用到铅笔法。即先用铅笔或者是你觉得顺手的防水的笔,画出明暗关系,做出细微的渐变。然后再叠加一层水彩。顺序看个人喜好,可之后叠加,也可以铺完色后再做细化,但一般铺色后再细化,会用到防水的彩铅。

    比如日本艺术家朱華(朱華 (@taupesyuka) | Instagram),她的水彩作品就是先用铅笔画出比较细腻的明暗关系,再叠加水彩强化立体效果 ↓↓
3. 以③为基本差值,塑造受光面和背光面的颜色差异

虽然10度的明度差异也可以表现出立体感,但是为了保险起见(考虑到调色时容易加水稀释,颜料干燥后明度一定会发生变化),我们以30度为参考(就是跳3个阶梯)大胆加重背光面的颜色。

把投影或者背光面的明度限定在3以下。或者是,受光面和背光面的明度差距拉到3。如果受光面明度是8,那么背光面从5或者6开始画。高光的明度则保留在9-10左右。这个方法的本质还是强行把受光面和背光面区分开,拉大两者的对比关系。

当然,说是这么说,画黑白很好操控,但是画色彩的时候,就又要考虑很多因素。如果我们直接在颜料里面加黑,明度倒是降下去了,但如果不小心加太多黑的话….饱和度可能也会跟着下降到一种….灰灰滴的感觉…似乎,看起来和现实里的效果,不太一样呢?现实里的物体背光面,颜色看起来更加饱和一点?

小花苗提问:嗯?可是101里不是说过,在颜色里加入黑色,会让饱和度提升么?

软体动物回答:5555真是记忆力超群的小花苗啊!是的,很多颜色在加入黑色的时候,特别是足够深的时候,会让颜色饱和度大幅度提升,但是,这里必须要加入足够多的黑颜料才行。

请看下图,在加入少量黑色颜料的时候,很多颜色的饱和度是持续降低的,当黑颜料足够多时,才能带给饱和度一个显著的提升

是捏,调色是画画里非常困难的一个步骤呢。我们经常会听到,要想把色彩关系画好,首先要确定画面的素描关系。阴影里加入黑色确实能让素描关系正确,但是现实世界里,颜色并不是这样表现的,除了明度之外,还有饱和度这个影响因素。

当你在观察现实物体的时候,你会发现:

物体没有受到光照的那一面,饱和度一定比受到光照那一面要高
物体从受光面转向背光面的过程中,色相逐渐偏移,饱和度逐渐升高,明度逐渐降低

所以在画画的时候,如果单纯只是往颜色里面加入黑色,虽然素描关系正确了,但是颜色的饱和度也发生了巨大的变化,画面看起来就没有那么富有真实感。

大家可以随便在家里搭一些小场景测试,包括你可以从自己的相册里找到一些照片,用任何软件里的吸色功能看看物体身上的颜色。我录制了一个鸡蛋的小视频,大家可以观察一下,从受光面到背光面,颜色的饱和度,明度,色相是怎么变化的

从上面的视频里,你可以很清楚得观察到:鸡蛋整体颜色饱和度大概是80,明度也是80。当我们鼠标逐渐移动到背光面,饱和度“唰”上升到96,明度下降到40。并且你可以观察到,在鼠标逐渐往背光面走的过程中,色相逐渐偏向了红色的方向,背光面可以说是一个明显的“红棕色”。

另外一个你可能会漏掉的小知识点

饱和度:
明暗分界线 > 背光面 > 受光面

还记得我们的月亮么?明暗分界线的地方,月亮的纹理是看得最清楚的。同时,这里的饱和度也达到了一个小峰值。所以很多时候你会看到一些教程里会建议你夸张做出这条高饱和的明暗分界线来强化物体的立体效果。

正如下图所示,如果你不小心把背光面饱和度调低了也没有关系,我们直接补一条饱和度稍微高的明暗分界线就能改善现状。当然如果有余力,可以重新调整背光面的颜色再叠加上去修复一下。

而这个高饱和的颜色选取也很简单,物体本身的色相稍微做一点点偏移,再拉高饱和度即可。比如橙色的蛋,我们可以让色相往红色稍微走一下,提高饱和度(少加水稀释),取一个橙红色。

特别是肤色做阴影的时候,比起加黑,在调好的肤色里加入红色/橙色(显著提高饱和度,降低明度),再加入一点点蓝色(微微降一点饱和度,但整体饱和度还是要比原本肤色高),可以作出非常棒的皮肤阴影捏!

还记的101里面第九课讲过的肤色调色法咩?就是利用了这种方法,红色主要目的是为了大幅提高饱和度,而蓝色则是为了调整色相,以及调整被红色拉高的饱和度。

而在动画里,阴影的添加更为简单,这也是我们在101和201课程里多次讲到过的叠色法,选取背景的环境光,如果环境是冷光,那就直接选择蓝色或者紫色。直接叠加在物体上。如果是不透明水彩,你当然也可以直接把蓝色和物体原本的颜色混合,调出一个明度低,但饱和度有所提升的阴影色

无论板绘还是手绘,最简单的塑造立体方法就是把明暗做出明显的变化,然后暗面的饱和度稍微提升,看起来就会嘭得立体起来。

其他组合

上面介绍的,全部都是以日常日光下以真实物体真实照片为参考的塑造立体的快捷方法。但我们画画的时候,并不是一直都在画写实,还有很多其他的表现画面的方式。

就像即使我们有了摄影摄像技术,艺术家绘制的医学插图依旧无法被取代一样。画画最美妙的地方是我们主动对画面进行选择,我们是忠实还原所看到的东西,还是在此基础上对画面进行概括,又或者添加自己想象以及偏好。色彩在这些情况下就会变得更加复杂。

▼ 比如我随便拍一张自己电脑桌的照片,觉得照片里灯光昏暗,桌面也很乱,但我可以主观去给这个画面的元素进行重新安排和重新上色:

▼ 在101颜色基础课程里,在讲明度的时候我有提到 major key 和 minor key

major key是大调,来自于音乐术语(你也可以理解为主要调子),但是在绘画里,我们用这个词来形容画面中的明暗比例整体趋势。如果一幅画中,整体色彩明度都比较高,或者说,画面里明度高的面积占比例非常大,那么这幅画我们就称为是一个高调的画面。

minor key是用来形容画面内部的小对比。如果一个画面中存在明度差异非常大的颜色,那么我们就称这个画面是一个高对比画面,无论它的major key是什么。

▼ 如果我们把上面的图去掉颜色,只看明度关系,你会更容易感受到这种视觉差异

然后你会发现,无论画面的整体明暗如何,只要是低对比,整个画面看起来灰度就是差不多的。这种情况下就不存在什么很强的立体感,我们现实里正常拍的照片很少有这种低对比的感觉嘞,因为现实里的物体存在闭塞阴影捏!闭塞阴影有的时候我们会直接拿黑色填充所以画面大概率会出现高对比。这也是之前的小技巧里为啥我们要把背光面明度压到3以下,就是为了能够迅速拉开明度关系捏!

下面这两张图就能很明显感受出对比的效果。背景色明度相似的情况下,如果我们给外轮廓一个很深的颜色,立刻就给画面添加了内部的高对比。

最容易的掌握也是最常见的是下面这四种模式 ▼

当你遇到自己喜欢的作品,分析颜色的时候,不如也顺手分析看看它们属于哪一种明度模式(#^.^#),比如我最近比较喜欢的 Emmenegger Haus的作品,都属于高对比,因为这种偏写实的油画通常都要用高对比来体现强烈的体积感。

▼ 但如果我们再看Bernard Myers的作品,完全的高调+低对比

宫下和的作品也是类似的这种高调,但她用的更多是中等对比(她的课程可以在class101学习)

PCCS 色调系统

最后,我们课程里用的是孟塞尔的色彩体系,这个体系非常适合我们人类的视觉系统。但在很多书里,你会见到一个叫 PCCS的色彩体系,这个色彩体系的全名叫 Practical Color coordinate System,是日本色研所的一种色调系统。这个系统里对颜色的属性划分和孟塞尔体系是一致的,但是它把明度和彩度拿出来做了一个单独的对比。

我们来看下PCCS色彩体系的原理吧 ▼

设计这个体系的人认为,只有当彩度和明度相互和谐相处的时候,整个画面才会更加令人舒适。是不是和俺刚才讲的写实原理很相似?在设计画面颜色的时候,如果只注意明度,虽然会让素描关系正确,但缺失了彩度的配合,画面有的时候就会让人觉得怪怪的。

PCCS最右边是一个颜色非常饱和的色环。这个色环就是我们最熟悉的书里常见的色环,也是我们平时去商店买颜料,你可以看到的常见颜料颜色。这些颜色彩度非常高,因此这个最右边的色环它代表的就是vivid,鲜艳醒目生动的主题。如果我们画画的时候只取用这种现成的不经过任何调和的高饱和度颜色,那么我们就会被这种潜移默化的高饱和颜色所影响,一段时间后你想要加入白色灰色的时候,就会变得很困难(这也是为啥我总是推荐有孩子的朋友给娃买画材要往最多的颜色去买,不要只买12色和24色,如果一开始给小孩子展示出更多的可能,那么这种高饱和色彩对它的影响就会变得比较小)

最上面一排的色环缩写为P(pale),p旁边的是ltg(light grayish)。正如同这个色环的名字,你可以观察到这里面的颜色明度很高,饱和度较低。传统意义上,这样的配色搭配,有种优雅,温柔的感觉。

仔细看每一个色环,你会发现在这个表格里,颜色根据氛围被分到了不同的组里面。当然这里的氛围是传统意义上的颜色语境,比如一个画面中如果颜色饱和度和彩度都在中等范围,会给人一种沉稳和温柔的感觉,又或者是,一个画面中如果颜色饱和度很高但是明度很低,会给人一种深沉,充实或者说是传统的感觉。这些语境在现代社会并不一定完全正确,但是也许能给你决定画面氛围颜色做一个参考。

最后

怎么样捏!又看了一大堆乱七八糟的理论知识。不知道有没有扰乱你的大脑,但简单思考的话,其实绘制立体感的关键只有两个

  • 留意物体不同面和光源的角度
  • 把受光面和背光面的分界线做清晰一点饱和一点就好啦

有空的话,就试试看吧!

创意插图1

软体动物

这里生活着一只软体动物,偶尔会走出它的壳,科学地探索这个世界~

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