什么是观察性绘画

observational drawing（以下简称为OB）勉强翻译就是观察性绘画。就如名字所说的，观察性绘画侧重观察眼前的对象进行描绘，目的是训练观察力、捕捉细节、理解结构和表达情绪。这种方式可以应用于任何我们现实里能看到的东西。观察性绘画强调“你自己观察”的过程，而不限于特定场景或特定主题

Observation, and the act of translating one’s observation into a material form indicates how you interpret the world around you, and what you do to express what you see, hear, smell, and touch. Your own, unique expressions are certain to come across. 

Drawing from observation is the key to improving your drawing skills and your ability to perceive in detail. An essential part of drawing is being able to translate and describe what your eyes can see using your hand. 

我脚的吧，现在大家学画画，或者说对画画感兴趣，主要目的不是对世界已有事物的精准copy，也不是对其他人风格的copy，而是通过用画面向其他人传递我观察到的世界是什么样子的这样的信息。

这种诠释不仅仅是复制自己眼睛所⻅，还包括将⾃⼰的视⻆、情感和理解添加到画面中，你眼里看到的东西，和世界上任何一个人都不一样。这种独一无二的视角，只有你才能展现。

我和朋友们画同一个苹果，我看到的是苹果光滑如同打蜡的表皮，一个朋友看到的是苹果上被虫子咬到的疤痕，另外一个朋友则是觉得苹果纹理长得特别有趣，那么我们三人在画同一个苹果的时候，就会对自己的画面做不同的处理，或者说有意无意的强调和设计，来代入我们几个人在观察苹果时的不同情绪。

我和朋友们共同画一个人，我不喜欢这个人我带着厌恶的情绪看着ta，画出来的人物无限放大我不喜欢的那些细节，一个朋友觉得对方海藻般的头发十分有吸引力，那她可能就会着重表现这种头发的生命力，另外一个朋友则觉得这个人在光线中的姿势十分有趣，她更注重动态的表现而不在意头发的细节。即使我们拥有同样的绘画能力，融入自己情绪后的画面，是经过我们每个人主动选择后，筛选出来的精华——这个地方是否要加一笔线条，那个地方是不是要过渡一下，我们在画画时的每一个步骤，都是经过这种带有自己情绪选择的结果。这也是机器永远无法复刻，世界上任意一个除你之外的人都无法复刻的地方。

在极致细腻的观察中，将⾃⼰的经验、感受和想法融⼊到艺术作品中，就是观察性绘画～

观察性绘画常见问题

（一）现在有ai帮助我们上色，帮助我们出图，学绘画还有什么意义

技术确实可以缩短绘画的流程，帮助我们解决很多重复性的机械的工作，我支持用AI提高创作的效率，但是AI永远无法创作，Ted Chiang去年八月在the new yorker上发的这篇文章 Why A.I. Isn’t Going to Make Art 差不多就是我对ai的观点（没有订阅的朋友可以在小红书搜这篇文章，有人翻译成了中文）

很多人都觉得ai可以代替人创作，因为它有大量的数据，可以搜刮各种网络上的东西融合起来，好像很有创造力的样子，但正是因为它拥有很多很多数据，才使它无法创作艺术，因为它做不了选择，它不仅自己做不了选择，它更不能代替你做选择。只有个人自主的选择才能成为艺术，艺术创作要求在每一个层面做出选择，艺术的魅力正是在于大的选择与小的选择之间的博弈关系。

一幅画每一笔你都在做取舍都在做选择，就算你给ai输入的指令，也是你做出的具体的选择 ➡️ 为什么要用这个颜色，为什么你看到的天空里那朵白云比旁边的白云更具有表现力，为什么这里有一条线，为什么桌子后面是一盆植物而不是一个杯子，为什么墙壁上有一个痕迹，为什么要忽略一个物体在另一个物体上的投影？为什么画面中要留出这部分的空间而不是那一部分？为什么不直接表示情绪而是选择用符号？为什要选择这个符号表达你的情绪？你为什么用这几种颜色？画面中的每一条线，每一个色块，每一个微妙的明度差异，每一个物体的摆放都是你主动选择后的结果。而这些选择和你的个人经历，你的感受息息相关。

学习选择的过程不可能是轻松的，但想要真的拥有创作的能力，这是无法绕开的路，你要付出和其他挑战性学科同样的努力，需要看很多书，记很多内容，需要做很多很多很多很多调查，做很多实验，需要去各种研讨会和大家讨论…不存在一条投机取巧不付出任何努力就能获得创作能力的捷径。

在学习绘画的过程中，最初想要极力绕过的那个东西，你觉得很难很麻烦的那个东西（可能是research，可能是设计，可能是透视）才是绘画的捷径。而自以为走的捷径，糊弄过去的小技巧，都是最远的路。

（二）为什么学画画要多写生而不是临摹照片？

因为任何风格，任何现成的作品，都是其她艺术家已经概括好的，总结好规律的一种固定画法，是其她艺术家观察的结果。在临摹的时候我们不知道对方观察的原物是什么，不知道对方如何做的选择，你的眼睛没有看到她们看到的东西，只看到了那个结果～所以能学习的东西其实很少。

临摹别人的作品，或者是照片参考，多为平面的死物。写生是充满生命的，我这里的生命并不单指指物体本身是活物，而是我们所在的写生环境是时刻变化的，风带来各种味道，刺激你的感官你的回忆，光在物体上所形成的影子每一秒都在发生变化，你可以看到平面看不到的立体效果，调动你的一切在绘画。你在这种限时的环境中需要去思考如何捕捉生命的片刻，真实世界强迫你去主动思考。

如果没有写生，直接上来临摹其他人现成的风格，从某个角度来讲，你放弃了亲自感知这个世界的机会，放弃了形成自己风格的机会，其实我感觉深层次里，是因为太害怕承担责任了，一开始学观察性绘画的时候，害怕自己画得不好，害怕自己被他人评价，害怕太多东西，所以把对自己的责任转嫁给了别人。

我自己一开始学画画的时候也是很抗拒写生的，写生很难很难，亲自观察这个世界是需要勇气的。所以我很能理解这种心情，但是在我碰壁之后硬着头皮回归写生，才发现原来捷径就在眼前，只是我不敢去走它/从临摹到重视写生的心态转变，也是我内心对曾经固有的社会评价体系心态的转变，这个转变的过程一点都不容易，尽管我现在说起来很轻松

创作最重要的不是你技术达到多高的境界，而是需要我们拥有对视觉形式互动的感知和选择的能力。就像音乐家练习音阶一样，艺术家必须持续不断地观察、留意并记录她们对周围世界的反应。

俺经常给学生看下面这个表，临摹是一个很舒适的学习路径，但是5年后（都不用5年后，2年后就差不多了）给人带来的痛苦几乎是指数型增长的。绘画本身就是一个需要长时间练习和学习的过程，短视的愉悦转瞬即逝，当然就算我这样给大家讲解，其实在特定的年龄每个人的关注点也是不一样的，所以我也不会要求所有人都这样做，当然还是可以根据自己的喜好去选择绘画的风格和学习的方式，我只是告诉大家～还有另外一条真正便捷的路～但每个人的路还是要自己走～

如果你想要在加拿大申请艺术本科，无论是设计，摄影还是其他，作品集要求里都会让你至少提交一幅观察性的作品，不一定是drawing，也可以是声音等形式，但是这篇日记我重点会放在观察性绘画上。so，今天就跟我一起来看看观察性绘画的练习方式吧～

需要的画材

任何画材都行，只要你能用这种工具表达出不同的明度。可以画色彩，也可以画黑白，都可以。观察性绘画能够反映出一个人最基本的观察能力， 在这里，工具是最不重要的。但在这篇最简单的观察性绘画里，我会建议从铅笔，炭笔开始～因为准备时最少，最好操作，也….最便宜哈哈哈哈哈

关于绘画工具的详细介绍，请看 绘画工具 这篇文章

最佳选择1 铅笔练习套装

代表灰度的三根铅笔 2H，2B，6B（为什么选择这三只，我觉得大部分人，就算用比较轻的力度去画，这三根的明度区分也很明显）（但是你买一套4h-4b的套装也很好）

一个比较硬的橡皮（用于干净利索清除铅笔痕迹）
一个软橡皮用于修正画面明度关系（软橡皮是必须的呢）

一根炭笔

有闲钱可加购2 针管笔马克笔套装

针管笔0.4mm一支，三个灰度的马克笔

有闲钱可加购3 水彩套装

白夜24或36色就很OK，但是需要购置专门的水彩笔配合使用

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无论选择什么工具，纸最佳选择是Bristol paper（bristol paper是一种表面光滑的硬纸）或者是水彩纯棉热压（hot-pressed 100% cotton paper，不要冷压纸），速写本也无妨（但要很小心使用，大力容易搓烂纸orz）。

一个人基本要1年才能真正熟悉一种工具的各种用法。

不知道大家有没有山里采蘑菇的经验，我觉得人和蘑菇的关系，就如同人和材料的关系。一种可以食用的蘑菇，你需要了解它生长的整个状态，需要了解它在不同环境，不同天气下呈现的样子，然后才可以去自信地采蘑菇，通常一个人一年只能掌握1-2种可食用蘑菇的状态。同理，一个材料要用半年以上你才能真正了解它的各种特性，不是简单在纸上实验几下就可以了解的，你要知道你不同力气使用它的样子，你在不同纸上不同材料上使用它的样子，你还要知道它和其他材料会发生什么反应，这些都不是一个周或者是一个月就能全面掌握的…

不同工具的明度区分

无论用什么工具，明度区分很重要，哪怕你只有一根铅笔。或者是一根圆珠笔。最简单的明度区分就是通过线的密集程度来区分比如下图, 密集的线条如果眯着眼看，视觉上会让人有种明度低的感觉。

稀疏的线条会让人觉得明度高，浓密的线条会让人觉得明度低。点多了成线，线多了成面，都是一样的道理。这种疏明密暗，其实可以有很多变体，无论你的线条有多少花样，只要疏密有区别，就足以代表明度关系：

我们来看一个杯子⬇️

当你只有一个工具时，可以通过线条色块疏密来营造明度区别↑

当你拥有很多工具的时候，就可以直接用工具本身的明度了，比如2h和6b，明度有很大的区别 ↓

而如果是用颜料，那么通过添加白色，或者添加水，也可以创造出不同的明度。需要刻意强调的是 水彩需要加很多水使用，所以很多时候，水彩颜料的明度被无意识拉高了。

比如下图，可能你用颜料调了一系列明度变化，但由于没有控制好水的含量，虽然做出了一些明度变化，但实际只在高明度小幅度变动，完全缺失了低明度。这就是很多人用水彩画画总画不好立体感的原因，明度差异在你加入水的时候被缩小了。

不同色相有不同的明度范围，这一点也经常被大家忽视哦。柠檬黄本身是高明度，就算涂很浓也是一个很高明度的黄色，镉红色本身是一个低明度的颜色，和蓝色几乎是一个明度关系，当蓝色被稀释而红色没有稀释的情况下，红色本身的明度会比蓝色低很多。

这些都是在上色的时候需要留意的，如果忽视了颜色的明度关系，画出来的画看起来就很奇怪，但是自己又找不到什么原因。下图里，被稀释了一点点的蓝色明度本身要比没有稀释的红色要低呢！

你需要理解的明度小知识

我一直觉得绘画应该先学识色，因为识别不出明度，就画不出来明度关系，而且你也看不出明度差异orz….无论是写生还是色彩，会越画越痛苦越画越离谱…学习绘画就变成了一个让人一点都不开心的事情了

绘画里经常困扰人的问题之一是“我画不像”，画不像大部分情况下，不是因为不会画，而是根本确实没有看到😂😂😂😂。只要看到了，一般人都能画出来😂

关于如何识别明度判断颜色，请按顺序阅读一下三篇文章⬇️

色彩基础

识别颜色的方法

如何判断明度

观察性绘画的热身练习

在正式画画之前捏，我们来一步一步让你进入绘画这个状态。

A 追寻物体的outline

我们的大脑中有很多关于物体的刻板印象，比如你看到一个c形的剪影，连在一个类似方块的图形上，你会觉得这个东西应该是一个杯子吧？

就是这种感觉捏！我们的大脑偷偷记住了现实里的很多形状。卫生纸卷的轮廓，风扇叶片的轮廓。许许多多轮廓重叠在一起，构建成了我们日常的视觉图形库，远远看到一个人，哎？你看她的背影立刻识别出她的是你的朋友，因为你记住了朋友平时的身体形状，朋友的发型形状，朋友的包，衣服的颜色搭配，形状也在你脑中模模糊糊有印象；你远远看到一条狗，哎？怎么跟自己家的好相似？因为它们有相同的颜色构成，花纹构成和相似的身体形状。

所以你看到天上的云，也会悄悄匹配自己大脑里的形状，然后发出“哎哟那片云像一个吹气球的鳄鱼”这样的感慨

但是当你从家里揪出不同的马克杯，观察剪影的时候就会发现，哎嘿？不同设计的杯子其实剪影是有微妙差异的哦，虽然相似但又有那么多不同。下面这四个杯子是我从家里随手拿的，虽然都符合方块形状的杯体，但是杯子的形状还是有微妙的差异，在我们只绘制一个物体的外轮廓outline的时候，眼睛顺着一个点开始走，你就会发现这些细微的不同

小练习

在家里找100件日常物品，仅（并尽量精准）勾画大家的外轮廓线，不要画任何内部的细节哦！

我线下课通常会让学生一开始做乌鸦的练习，先从图片开始逐渐过渡到现实里的物体

感兴趣的话你也可以试试看⬇️ 要求是：只概括两只乌鸦和树的外轮廓线，禁止画任何内部细节，且尽自己最大努力画得精准，给自己无限的时间。

像乌鸦或者其他鸟，这种平时我们比较熟悉的动物或者物体，一开始很难画准，因为太熟悉了，大脑就会提取一些固有印象，让我们画出来的东西会偏离真实的比例。这个时候我们可以用负形（negative space）的方法来观察

请看下图我标注的几个有颜色的区域⬇️，得观察这些区域，才能知道乌鸦的轮廓是否概括得准确，如果这区域的形状不对劲，那么我们画的比例就不对劲咯～

除了上述检查的方式，还有一个很好的检查比例的方法：在物体身上尖锐or突出的点做一条线，看这条线都经过谁。其实随便哪里做直线都行，但我习惯于从一个突出的点，或者是本身就存在一条水平线的地方。对于乌鸦来说，尖尖的嘴巴是一个很好的做平行线的点（C）。或者是乌鸦脑门的最高处（A）也可以。

（当然这是后话了，一开始不概括地画也OK）在概括物体结构的时候，不要用细碎的线条，而是尽量用精简的线条去概括。不需要纠结小结构的凹凸，先把基本的大的结构概括出来，确定大的结构准确了之后，再去扣各种小细节

B outline盲画练习

作为一个成年人，只要你能写字，你就会画画。阻碍大家下笔的自信，不是你不会画的恐惧，而是源于你内心对他人评价的在意捏

OK接下来这个练习可以强迫你放弃对绘画本身的恐惧！盲画的意思是，我们在画画的过程中，不看纸面，只看你观察的事物。我的免费课程里有一节课专门解释盲画！嘻嘻大家可以随便看一下

https://emmyhouse.teachable.com/courses/1688845/lectures/38350954

我这里再举一个我工作室的例子，我每天早上到工作室的时候，都会随便找一个东西瞎画，比如昨天我就看上了桌子上的三件套和我的黄色椅子（下图）

盲画真的不需要精确比例，就是看到啥画就行了。正是因为无法去修改比例，你的线条会自信很多，流畅很多，而且会减少重复。（如果可以的话，盲画的时候，你的笔不要抬离纸面，就是一笔画）

当你不知道从哪里开始的时候，我建议大家可以画你看到的图形。每一个结构都看作一个简单的图形，先把这个图形画出来，然后叠在一起。这样既训练了我们观察图形的能力，也训练到了线条～

哎～不可以偷偷看纸面哦！一秒都不可以偷看😁，盲画除了让大家克服对直接画的恐惧，还可以训练手眼协调协调能力，你的手要适应大脑的观看速度，边看边画是很重要的你需要掌握的技能。

C 去掉线的练习

刚才我们都在画线，但又不是仅仅在画线。第三个小练习就是强行让大家去掉线。我们现实的物体中，是没有边缘线存在的，但是长久的绘画训练总是让大家先画一个outline，再填色，反而阻碍了大家绘制光影。因为线是有粗细的，有时候太粗的线会妨碍面的表达。

我们来看一个例子↓

接下来的练习，我们不画一根线哦！

首先请大家去户外捡石头，贝壳也不是不行但是画起来有点困难哦，还是先从简单的开始吧。请看我捡的石头（就在俺门口，画完给放回去），只要放在桌子上，然后开一个小台灯，石头就有了自然的影子 （下图是我在不同纸上摆的小石头）

准备一张纸（什么纸都行，当然纯棉水彩纸or bristol paper更好）

第一步，先用用铅粉/碳粉或者色粉涂满画面，涂一个比物体本身稍微高一点明度的灰色即可。用卫生纸或你的手或笔刷抹匀。必须抹均匀，任何明显不均匀的地方都算失败哦！

我这里强调用粉去涂，是因为削好铅笔不够soft，你在纸上排线的痕迹无法被卫生纸均匀擦除，不信的话可以自己实验一下。效果会非常有限。

关于铅笔工具的使用， 铅笔炭笔的用法 一定要看完才可以哦！

实在没有碳粉，就把铅笔用砂纸磨成粉,没有砂纸，就用剪刀=-=…然后用刷子铺满纸面，也是非常均匀的灰色…

第二步，用硬橡皮把石头轮廓擦出来。橡皮太大擦不清楚边缘怎么办，那你就把橡皮切成小块。

第三步，用炭笔画出阴影，然后用软橡皮把石头擦出体积，石头的体积非常好观察，只要做出三种明度就可以了

之后添加一点点细节，哪里有花纹就擦擦，哪里有深色就补补

擦掉边缘画黑色的石头，或者擦掉内部画白色的石头。观察石头上的明暗关系，让你的画变得立体起来。

炭笔是不是弄的手很脏？但是这个方法可以强迫大家放弃线的表达，而直接去观察块面和光影，摒弃切实的线，我们才能看到更多的细节

D 线条练习doodling！

很久很久之前，我学画画的时候，国内画室老师让我每天回家做打印纸画直线圆圈曲线的练习，这个练习每天都要做，每天要画满3张纸⬇️,直线和曲线的要求都是每一条线的间距必须一样，这个间距随着练习的熟练度会越来越小，画得纸上密密麻麻。圆圈的要求只有一个，所有圆必须相切。

在加拿大上学的时候我们没有这种训练，但是换成了无意识的线条绘制方式，老师要求我们在看电视，打电话，开无聊的会，上课听不进去的时候，用笔在纸上画圈圈，类似于这种感觉⬇️，笔不要停，就一直画。这其实是一种轻松版本的线条训练，但是需要大量大量时间的堆积，like一天3小时这样

现在我们有一种新的，更好玩的练习方式，就是画有规则的小图案！

我依次来讲解绘画方法哦（不一定都是正方形的格子）

1. 首先画一个不封边的正方形，然后从一边往对面画线即可。
2. 从正方形的一角做射线，然后把射线double一下， 在中间画圆或者椭圆，唯一的要求是圆和圆要相切
3. 画一些p连起来的锁链，然后加粗p，再加醋，把中间涂黑即可
4. 先画一条绳子（注意两条线要尽量距离保持一致），再添加一条绳子，规则是，每一次添加的绳子都要在底下。不要穿过上层的绳子。就这样画画画画，把其余地方填黑即可。

这个练习可以锻炼到直线，曲线的画法且可以让你练习控制手腕的力量，排线均匀，手眼协调。我一般要求学生每天画满一页sketchbook，2个月后基本都会有肉眼可见的线条进步（信则有，不信则无）

E 感知练习：室内空间

在一个房间里待上三个小时，绘制出该空间的多幅草图。在这三个小时里，你将不停地作画，手不可以停。不要离开房间，不要停止作画，不要接听电话，不要打开电视，不要回复任何人。

既要绘制房间的大面积区域，也要绘制房间内物品的细节。通过认真观察和通过绘画来获得对周围环境的视觉感知。

你可以在一个自己的房间里、厨房、图书馆的某个房间、商店等等进行创作。可以是很快的sketch，也可以是很细致的光影绘制。仔细寻找家具、建筑细节等方面的关系——任何能赋予空间特色、情感或氛围的东西都要进行捕捉。同样，要尝试留意那些你从未见过的事物，并通过反复绘制来增强对空间和场所的体验。任何工具都可以

F 感知练习：户外空间

选择一条你每天都会走的路线。比如从宿舍到图书馆的路、从公寓到咖啡店或报纸店的路，或者带着你的狗狗走的路。

这条路最好是只需花费五到十分钟就能走完的路线。在这周的三天里，走这条路线，但每次花一个小时到两个小时，而不是五到十分钟。

在行走的过程中，多次停下来记录一些对你来说有吸引力的关于这条路线的内容。继续行走，再次停下来画画，然后再停下来继续画画，一次又一次。强迫自己花1-2小时。

热身运动做完了我们来看看如何观察

关于透视这里不再多做解释，熟读并背诵perspective drawing handbook（作者 joseph D‘Amelio）（有简体中文版），确保这本书里全部透视图例都可以默写就行了哈。

我们在观察的时候，不是死死盯着某个东西的细节看，如果一上来只能看到细节，会觉得可看可画的东西太多了，反而无从下手。我们观察的本质，其实是找规律（人脑倾向于不思考or成组思考，就是越懒越高兴，所以我们观察真实世界也是这样，先从简单的开始），然后设定一个自己的焦点。

• forms，观察物体的基本形状，用最简单的几何体（球体，立方体，椎体，圆柱）来拆解
• groups，成组。如果把一个形状看做一个pattern（图案），复杂的单体和成团的东西都是有规律可循的，我们这里要观察的是自然造物主的设计规则
• sheets，片状细节。最后我们才会去每一片单独的结构到底是什么东西，这里我用sheet是因为，其实各种细节都可以被概括成厚纸的结构hhhhh

我每年都会推荐lorenzo的 how to think when you draw系列（全系列免费，网上随便看，作者一分钱不收），我不是在推荐这种特定的画风我知道很多人非常不喜欢这种漫画风格，但是这个step by step的教程，是从设计的角度来讲如何学习绘画的，这一点非常难得，很少有教程这样从设计原理拆解物体结构。

我今年喜欢拿蘑菇的例子给线下学生讲解，这里也分享给大家原图请点这里，我下面做了中文翻译（部分），我课程里关于草的画法也是同样对生活里草的生长规律进行总结。

然后我一般会让学生临摹其中一幅，要一模一样，那么就来测试一下你有没有认真看教程吧！请仔细研读教程后，临摹以下的图片，临摹完毕后再来看我的解析

分析开始

如果有一个数字可以代表艺术的真理，你觉得这个数字是谁捏？我觉得这个数字是3。一般来说我们只要画出三个面就能体现一个物体的立体感，只要三个明度就能概括一幅画，图案设计里也是如此，一幅画如果好看，画面形状通常也要包括三种，大中小，而且这三个图案的尺寸要区分足够大，所以在开始临摹前，我们要先观察这个画面的设计，才能下笔去画（这些how to think when you draw教程里也都有写过）

除此之外。你还需要注意到的是，在这种风格的画面里，物体的影子，以及远景的蘑菇，都做了全黑处理。这是黑白设计，方便我们能够识别出画面的图形效果。如果我们不区分前后，视觉上就会比较混乱。

最后有一个非常小的细节

那接下来捏，我会给大家免费放送我绘画课201里面第七课，关于金属的一段分析。你可以借此了解一下我在看一个很简单的物体的时候，我都看到了哪些东西，不仅是金属，我在观察任何一件物体的时候，都会去观察很多细节，但是因为我已经养成了这样的习惯，所以这个分析的过程对我来说非常快，就像是本能反应，可是初期的时候，我也是一个物体要观察很久才能看到这些。

还有一段小小的关于金属杯子的画法视频节选

看起来很认真的总结

观察性绘画一般来说分三步 1️⃣ 确定物体轮廓结构 2️⃣ block in 高光形状和最暗的部分 3️⃣ 选择合适的渲染方式。这三个步骤的脑容量分配如下

一般来说，前两步是最麻烦的，需要你去思考如何概括，反而最后的渲染，看似最难，其实是最简单的…

一 确定物体轮廓

观察物体的轮廓其实是一个很数学的概念，跟一个人的绘画天赋和美感我感觉没有直接的关联。看不到厨房台面脏东西的人，同样也看不到所画对象上的其他细节。

观察力几乎很难从素描或其他绘画训练中快速获得，它只能从生活中习得，因为观察更多的是一种习惯而不是技能。必须要改变生活中的习惯，才可能在绘画能力上有所提升。

现实的刑侦案件调查里，调查员会根据地板/地毯上的血迹形状来判断血滴落的高度，移动速度，可以根据上面的纹理推测鞋印&尸体转移方式。对罪犯行为的推断和对画面表达媒介的效果推断本质是没有区别的，只要你拥有观察力和分析能力，那么学什么都是一样的。水彩滴落在不同材料上所形成的水花形状是不同的，受到高度和纸本身含棉量的影响

我兼职绘画教学这么多年，教过从小画画的，也教过很多从来没有摸过画笔的人。能不能很快学会画画跟天赋其实关联不大，一些从来没有摸过画笔的成年人，她们学得比那些受过国内长久绘画训练的未成年人还要快, 因为她们在生活中有很好的观察习惯，而这种观察力是她们的能力，不会退化

我喜欢把画画和减肥做类比。减肥这种事情，可能有很多基因或者环境的影响，通过短时间节食，短时间锻炼而降下来的体重，如果不改变日常作息方式，饮食习惯，日后还会反弹，每个迈入中年的人我觉得都会有这种感受，当你脑子里闪过要保持健康身体的念头，那一刻你的余生就要开始改变了。

绘画也是这样的，当你想要开始学习绘画，你余生的生活习惯就要开始改变。学会观察，学会感知周围物体的视觉效果，不仅仅是观察事物不同的样子，也意味着你对日常感知方式发生系统性的调整。不是局限于形式结构或造型语言的捕捉，而是延伸至对环境、光影、情绪、社会行为等多层面信息的整合。我觉得其实绘画学习，本质上是一种感知系统的再训练，而想要获得好的训练效果，必然不可能仅靠画画这一种方式实现。

我经常遇到的一类学生是老师指导的时候画得不错，一旦脱离了老师的指导自己就画不出来了，因为跟老师学的时候，很多时候都是老师在帮学生看，学生自己是没有真正去观看的。

而在线下一对一学习绘画中最常见的一种现象是 “背诵上一秒老师演示的修正的方式，实现短暂的临摹复刻”，这个是什么意思，大家自己做等比练习的时候就懂了，我所有的线下学生，在做这个练习的时候，都没有做到第四步，全都是在背诵第三步看到的幻影。so…可见….大部分人其实都不太会观察😓

一个很简单的小测试来测验人的观察力，那就是画奶油打发的不同状态。下图这几种蛋清or奶油打发后的形状，截然不同，如果你觉得任意两张比较相似，那可能真的需要先做一周等比训练

绘画的时候如何去概括物体的轮廓呢？需要我们在画面中找各种比例标尺，可以把物体概括成各种简单的几何体，然后再从里面去找小的区别。又或者可以借助负形的方式，把物体试着套进各种长方体结构里。然后看看物体轮廓和周围的边框形成了怎样的图形。这个图形如果是三角形，是等边三角形，还是等腰三角形，钝角有多少度，你是否能画准这些角度。

可能你会觉得短直线很好画，但你可以试试能不能在纸上准确的画出30度，45度，60度，和120度的角。画完后拿量角器测试一下，如果角度差很多，说明你的手和眼是不协调的，但这不是什么大问题，没有经过观察训练的人，本来大脑就没有被矫正过，但只要2周左右的等比训练，大脑就可以稍微矫正到一个不错的程度了。

等比绘画训练 点我

等比训练的方法是几百年以来最快捷的训练方法（也许有别的训练方式但无非都是多画多练多思考，毕竟绘画最大的问题就是不画）

当你想进一步修正你的画面的时候，可以从视线范围内任意地方做一条直线或者是垂线（在你的脑内，或者你可以稍微拿着笔比划一下），看看这条线都经过哪些地方，你画的是不是也经过了这些地方。

前期的时候，可能画准一个东西会非常非常难，但只要不断去练习，你会越来越熟练。一旦你的脑子和你的手步频一样了，你看到什么画出来的就是什么，不再需要去特别使劲衡量和思考了，就是这么快乐。

接下来跟我做个小练习吧～让我们画一坨颜料（随便从上网找的图） ⬇️

无论这个东西多复杂，我们需要知道物体的大概的长宽比，最简单的方法就是设定一个最高点，最低点，最左边，最右边。但是这个ABCD并不能直接连接，比如这个红颜料的话，需要把C往上挪到C2的位置，才能和A点齐平。我现在说的，都是我在画画的时候，目测的过程，但是在初学的时候，可以借助铅笔或者任何的测量工具帮助自己测量比例。大脑习惯自己的测量感觉后，就会成为一种判断距离的本能。

订好了外轮廓后，就可以简单把物体最主要的轮廓概括一下。然后再此基础上逐渐细化。

如果一开始很难画弧线，那么可以用短线连成长线条。如下图，一开始可以先确定ABC三个点，然后概括出一个大概的趋势，之后如果想要修正，就一点点让这条直线变成曲线，添加更多的点就可以让线条很顺滑了

在概括线条的时候，我觉得艺术家miacat的作品就很经典…他有录过非常多的绘画过程，可以看看他是如何概括复杂人体的。简单来说就是CSI曲线，我们画东西的时候只用这三种线条来概括。不要那些很细碎的线条。

很多时候俺不建议反复磨蹭线条，是因为线条在绘画中不仅是形状的表达，也是情感和力量的体现。反复的修饰线条往往会削弱直接表达…所以有的时候不如一条线来得好。

之前很多人跟俺说，线条重复，是因为自己不确定，怕画错。不过在画画的这个过程里，其实画错了这个世界也不会对你有任何惩罚🥺

而且我觉得很有意思的是，“错误”中文定义是不正确不符合客观实际的，在只追剧精确写实且不考虑情感的目标下，一条歪了的线确实可能会被视为“错误”。不过观察性绘画必须要表达自己的情感，而不是100%客观复刻现实…so…所谓的画错也就不能单纯用“错误”来定义了。

我在中国和加拿大学画画的体验很不一样，在国内画室学习的时候，老师从来不会问我是什么感觉，不会问模特是什么心情（哦甚至很多画室没有专门的模特）。从一开始，绘画就被看作是一种毫无情感的技能，老师不会跟我讲不同的线条所传达的心情是什么，不会让我花很长的时间去观察一个物体，一个人。但是在加拿大的时候，老师会先让我们和模特聊天，仔细摸要画的静物，并在不同光照条件下观察这个物体，甚至有些老师会让我们先聊30分钟自己看待这个东西的心情，和要画的对象产生连接。我在这段只观察不画画的过程里，看到了很多细节。可能这确实和教育制度有关，但不管怎么说，观察需要时间，画画需要耐心，所以多花一些时间去观察吧

我的线下绘画课里，最开始让学生做的练习不是绘画练习，而是一个15分钟的daily写作回顾

观察力写作练习 15min

1. 写7件你昨天做的事情
2.写7件你观察到的事情
3.写3件你听到的内容

很多没有观察习惯的人，它写出来的东西就是“早上起床，吃了饭，去倒垃圾，去上学，吃午饭，回家，睡前打游戏”，然后第二天还是重复这几个字。甚至还有很多人觉得这三个练习都很难，半小时都写不出几句话。

即使神经学有那么多理论，实验支撑，但是大部分人还是不愿意相信，在艺术领域，写作和绘画是相同的，它们相互连接的通道就是对日常事物的观察。人一天睁眼的时间至少有十几个小时，在这十几个小时里我们看到的广告就有几百条，我们听到的看到的东西甚至到了一个过载的状态，只是出门买个菜，路上扫过几百人，但看了那么多，却没有一个东西真正进入人的脑子里。因为你对你的生活做出了选择，你选择了不去观察的生活方式。

今天早上吃了香蕉，昨天早上也吃了香蕉。可是今天早上吃的那根香蕉和昨天的绝对不一样，它可能比昨天吃的老了一些，味道甜了一些，又或者是你因为赶着出门香蕉只吃了一半，又或者已经熟过头了引来了几只果蝇，吃香蕉的心情，时间也会有微妙的差异，吃香蕉前后或许也会有不同的事件发生，可能今天的香蕉是从屁股开吃吃的等等等等….

河水在流动，所以人才不可能踏入两条同样的河流，同样，人也不可能拥有一模一样日子，你每天走同一条街、喝同一杯咖啡，却也再也回不到昨天那条“河。可能会比较矫情，但我觉得人生真正的丰盛感，是来自对日常每一个细微变化的观察与回应

如果你对如何用文字描述生活细节感兴趣，请看我的这篇文章 开始写日记吧

如果分析理论，有太多可以“责怪”的东西，你可以说短视频/即时的情绪奖励让人不再偏好需要长时间投入的东西，你也可以说是我们的行为正在被 KPI 化，无直接产出的“慢看”被视为奢侈品，你也可以说生活中烦心的事情太多没有时间去观察这些有的没的，可是，如果你找了这么多理由，你为何还要选择亲自画画？你为何还要选择创作？？

当你选择亲自创作，你就需要了解到，创作本身是这个世界上最难以复刻的愉悦，它需要时间的沉淀与心智的打磨

画写实的意义是什么呢？为什么一个东西你想要把它画成现实里的那种样子？也许是因为在你的情感里，细节更加能够唤起记忆因为它与现实世界紧密相连，又或者你有特定的观众，而这些观众没有接受过美学教育只能从写实的绘画中了解创作意图？又或者你把这种真实的渲染理解成为一种竞技想要追求极致的技术？选择任何的表达方式都是有原因的，探究背后的原因我个人觉得比一味追求真实更重要。

二 block in 高光形状和最暗的部分（明度的定义）

扯了这么多观察的内容，现在我们有了物体的基本轮廓，接下来就是最重要的block in的技巧咯！

block-in如果在网上搜索，能搜到很多定义。但基本定义很简单。就是先把物体的基本明暗关系表现出来。给画面定下一个最基本的结构。这个可以是不带颜色的光影block in，也可以加上颜色的block in。

A block-in is a light sketch of your whole composition before any details or shading are done to make sure it’s placed correctly on the page and that the proportions and distances are accurate.

Blocking in is the technique of creating an underpainting to establish “blocks” or shapes of basic color and/or value with minimal detail. it’s like your “outline” for your painting. Later, you can add different elements to refine your painting, like texture, refined gradients, and tone, to make your blocked-in painting into a complete piece.

（l j knight 左边两幅图）（右边Felicia Forte）

明暗关系这块，我在国内学绘画（就是暑假随便报一个成人兴趣班）的时候，有个地方特别让我痛苦，我看到的东西是彩色的，但是我需要画成黑白素描，而我无论如何都无法从一个色彩物体上观察到黑白关系。而且那个时候自己随机看了很多书，书里都说要画画，特别是画色彩前，需要画黑白小稿，我就感觉自己处在一种非常荒谬的环境里，周围人都说要这样做，可我就是不明白为什么要这样。

我后来学了色彩之后，常常会想起国内那最让我困惑的几个月，大概明白了那个时候为什么困惑。当时学的结论是对的，画色彩也好，画不带颜色的也好，都要提前设计画面黑白关系，因为明度关系决定画面氛围。

可是捏！在一个人不能识别颜色的时候，是！不能！看到！每个颜色本身明度关系的，颜色和明度之间连接是有断层的。我是后来学了孟塞尔的颜色理论，把颜色明度关系理解了才开始能看到现实里的这些明度变化orz…我就是那一刻理解到了，原来人类识别颜色，竟然会受到语言的影响，而这是我在国内从来都没有人告诉我的，甚至到现在，中文网络也少有这种资料。随着我能够正确描述一个颜色，我发现很多颜色我可以立刻调出来了，只是改变了描述颜色的方式而已，就能产生这么大的转变….

当时我学色彩的时候用的是the new munsell student color set.，这是艺术专业学习颜色的必备练习工具。使用方法很简单（买书会得到一个官网的激活码，观看使用方法，非常详细），这本书里除了有很详细的色彩教学，还会给你一些乱序色卡，你要把色卡按照明度饱和度拍好，贴到对应色相的卡片上。

进阶练习是，你需要用油画颜料，把所有的颜色都精准一一对应调出来。

new munsell color set（student版本）目前好像出到了第7版？一套价格在100-200刀上下，但是这个钱是绝对绝对绝对值得投入的，因为这里面的色卡不是普通印刷的，而是通过丝网印刷，颜料经过严格调配，每张色卡都会通过分光光度计测量校准，以保证色彩的准确性和耐光性，你通过一套非常标准的颜色去学习识别颜色，然后再自己应用到自己手里的颜料上，会觉得颜色和明度识别突然变得轻松了好多。

二 block in 高光形状和最暗的部分（绘画方法）

先来看不带颜色的明度block in，这个其实就是光影的二分。把物体的受光面和背光面完全区分开。这里需要把物体的轮廓线概括精准，同时把投影的轮廓线也画准确，我用一个最土土土土土土土的石膏给大家做说明哈，因为别的东西太难了都🥺

在分析光影前你需要了解物体结构并把物体的轮廓线都画清楚。物体的轮廓和结构是不会动的（在静态的场景中），影子是可以随着你打光角度不同而发生变化

而你要做的，是需要按照当下的光照情况，找出没有直接受到光照的区域。只要这个面没有收到光的直射都算黑色（注意是直接照射，而不是二次反光）。这个光影分析，不需要正式画出来，可以在画画前，画一个中等大小的草稿涂一下找找分界线。这也就是所谓的光影二分法，等你熟练后，就不需要画出来，在脑子里就能完成

在完成光影二分之后。就可以根据当下光照条件给物体分配实际明度关系 （如下图），这样物体的基本体积就能被表现出来了。这一步的明度划分，一般不会超过5个，最开始大家都是按照3-4个明度来划分的。到此，物体的基本体积就已经完全展示出来了。

如何练习给明度分组，也有一个小视频讲解

三 选择合适的渲染方法

区分出光影之后，最后一步渲染就很简单了。觉得渲染很难，多半不是因为渲染本身，而是上一步结构和光影就没搞明白。😂在渲染的过程中，最重要的能力依旧是观察。下图abcde五个边都不是一个硬度，所以在处理的时候就需要不同的手段

物体之所以能够显示出不同的硬度关系，涉及很多内容，需要了解光的属性，不同材质如何反射光balabala。这也是我为什么说绘画很难靠感觉，观察性绘画作品是为了看一个人的观察力而不是抽象的感觉。至于这部分的内容。我之前有写过一个课程repo，里面有提供了几本书，可以参考。因为在这篇文章里实在没有办法说清楚，我自己的课程里也是讲了十几个小时才讲完orz….

但是捏，这里我可以稍微说一下如何来做不同硬度的边缘，其实大家看着这些边缘好像种类很多很复杂，总结的话就只有三种类型捏！hard edge（硬边），soft edge（软边），lost edge（看不清的边）

硬边：锋利，清晰的边缘，一点都不拖泥带水的，泾渭分明！
软边：能够看到边缘在哪里，但不是特别清楚，模模糊糊（软边的种类是最多的因为模糊的程度可以分为好几种）
看不清的边：看不到边缘在哪里，就像雾一样，或者像均匀的渐变一样，消散了

根据你选择的渲染方式，这些边缘有不同的绘制方法。

如果你选择用针管笔，钢笔，这些本身就很难做柔软过度的材料，只能通过控制排线来实现近似效果。实在懒得做写实的渲染，更想要突出图形和画面设计（比如用马克笔，或者是丙烯，或者是gouache单色）。那么最简单的渲染方式就是——不在乎边缘的软硬，只用明度来区分出不同的面，展现基本的体积。

限制自己的用色，眯着眼睛看观察的物体，然后找到最基本的色块，把类似的色块都归类，或者是根据自己的想法稍微重新布局色块的明度分配，不要考虑任何细节，眯着眼看不清的地方一律不画。

如果你想要画得很写实，想要做比较惊喜的渲染。我这里只介绍铅笔的使用方法，因为水彩的渲染方式请看这篇技法日记 水彩彩墨使用方法

hard edge在画的时候必须要削铅笔，铅笔的尖尖必须很尖尖才能把边缘画得很硬。如果懒得削铅笔，就会变成看起来有点硬的软边了，这个是最简单画的，也是最容易被忽视的。

渲染如果我们用另外一个词来替换的话，是过渡，硬边过渡很突然，几乎没有过渡，从一个颜色跳到了另外一个颜色，而软边则会根据物体形态有各种各样的过渡，渐变。

soft edge有各种各样的，但无论如何，都能看到中间的分界线。

lost edge等同于渐变效果，我们看不清分界线，只能看到一片的感觉。一般在画lost edge的时候我们会用海绵沾铅粉or碳粉去画，很少直接拿笔直接排线（除非你像我一样优秀可以很好的控制排线的间距和明度）。

最后

其实observational drawing在画的时候，很容易和所谓的纯客观的写实绘画混淆。而物体绘制的精确度每个人心中的标准也各自不同，我觉得这都不是什么大问题，你可以选择画得很写实，也可以选择画得稍微随意，每个人都有自己的追求

但重要的是，你选择的这个观察对象，是和你有紧密连接的，你画的东西，是有你自己独特理由的。你主动去观察去绘制一个物件，一个场景，一个人，你把当下的心情也融合进去，这就是最好的观察性绘画了。每个人都有自己独特的观察和表达能力，而想要说的心情是可以通过你的线条，你绘制对象的细节传递给她人的。

最后我用想用nicolas uribe的采访作为结束语。记者问“how has life drawing from life helped you as an artist?”,对方是这样回答的：

Life drawing represents an experience that cannot be replaced by anything else. The connection we achieve and the nature of the judgments we make when we are directly in front of our subject cannot be replicated in any other scenario. It is by far the most important practice for an artist. It is also the most difficult one. because we are drawing life. Living nature, be it another human being, an animal, or sunlight, never stands still. Life breathes, changes constantly, and shifts, and by accepting this mutating quality, we become better at observing and valuing decision-making.

虽然是对人体写生的回答，我觉得这个就是最完美描述观察性绘画的意义。“当我们直面观察对象时，所建立的感知连接，以及在此过程中所进行的视觉判断，是其他任何形式无法复制的。这种实践，对于艺术家而言，是最根本、也是最重要的训练。同时，它也是最具挑战性的练习——因为我们正在描绘‘生命’。无论是人体、动物，还是自然光线，所有的生命体都在不断地呼吸、变化、移动。从不静止的现实迫使我们不断调整观察方式，我们才能在绘画中培养真正的观察力与明度判断力

Draw or Paint what you see, what you feel, not what you know
开始填满你的sketchbook吧！